Photo par Jen Squires

Digging Roots : l’amour inconditionnel d’origine Anishinaabe

Article par Kerry Doole | jeudi 4 aot 2022

Le processus créatif qui a mené à Zhawenim, le quatrième album du duo autochtone lauréat d’un prix JUNO Digging Roots, en a été un où ancestral et contemporain s’amalgament de manière attrayante. Couple dans la vie comme dans la création, Raven Kanatakta et Shoshona Kish ont fait appel à Hill Kourkoutis, qui a récemment été couronné Producteur de l’année aux JUNOs, afin de coproduire leur album et il a également coécrit deux des chansons du projet en plus de jouer plusieurs instruments.

« On avait des idées pour faire évoluer notre son et Hill était la personne idéale pour nous aider à concrétiser cette vision », explique Kish. « Quand tu t’embarques dans un périple comme Raven et moi on a décidé de faire, l’objectivité et la perspective d’une autre personne deviennent très importantes. »

Le plus récent simple, « Skoden », est devenu leur premier à tourner sur les radios rock tandis que leurs autres chansons s’inscrivent plus directement dans leur veine habituelle où s’entremêlent folk, blues, soul, psychédélique et, bien entendu, leurs racines Anishinaabe.

« Les gens ont toujours eu de la difficulté à étiqueter notre musique », confie Kish. « Je suis très heureuse qu’elle soit impossible à définir. On évolue au rythme de notre propre tambour, dans le sens où ce n’est jamais clairement un style ou un autre. L’important c’est que ça soit authentique et vrai pour nous. » Lorsqu’on insiste un peu, Kanatakta suggère la phrase « de la musique qui vient du cœur et qui transporte une douce médecine » pour définir leurs créations.

Pour créer le matériel qui apparaît sur Zhawenim (un mot Ojibway Anishnaabemowiin qui signifie « amour inconditionnel »), Kanatakta et Kish se sont inspirés de la tradition des « Anishinabek Songlines » où les chansons sont inspirées par la topographie du paysage.

« Ça fait un bon moment qu’on utilise la technique des “songlines” », explique l’artiste. « Tout a commencé quand la grande tante de Shoshona nous a raconté son expérience dans un pensionnat indien. Elle nous a ensuite raconté comment on créait de la musique traditionnellement, c’est-à-dire en suivant les “songlines” qui elles-mêmes suivent les contours du territoire.

« Au final, on a des chansons qui viennent d’un emplacement géographique très spécifique. Il m’arrive de simplement regarder des images d’horizons et de montagnes et elles me servent de référence pour une idée de mélodie. À un moment donné, notre salon et notre salle à manger étaient couverts d’immenses images de paysages que j’avais “photoshoppé” ; elles faisaient entre six et neuf pieds! »

Le travail de plusieurs mains guérisseuses

L’un des titres phares de Zhawenim est « The Healer », une chanson au message d’amour universel avec une brochette d’invitées de marque : Serena Ryder, Shakura S’aida, Alana Bridgewater, Amanda Rheaume, Kinnie Starr (coproductrice de l’album We Are de Digging Roots, récompensé par un JUNO) et Hill Kourkoutis. « Quelle expérience incroyable », raconte Kish. « C’est un voyage d’apprentissage sans fin que de créer des voix avec des artistes aussi incroyablement talentueuses. Nous avons le bonheur de travailler avec Alana quand on est en tournée et je suis tellement honorée qu’elle ait choisi de soutenir le travail qu’on fait. »

Les chansons sur Zhawenim abordent des thèmes comme l’identité autochtone, les changements climatiques et la tragédie des pensionnats indiens. Ce dernier thème est au cœur de la pièce « Cut My Hair », qui fait depuis longtemps partie des spectacles du groupe, mais qui figure sur un album pour la première fois. « En fait, on l’a déjà enregistrée sept fois, mais il fallait qu’elle sorte au bon moment », confie Kanaktaka. « La chanson nous a dit qu’on devait attendre qu’elle soit prête à venir au monde, et ce moment est venu quand on a découvert tous ces enfants. Je crois que les chansons ont des esprits et que quand on les joue, ces esprits prennent vie. »
Les membres de Digging Roots sont fiers de la reconnaissance grandissante accordée aux artistes autochtone et à leurs créations dynamiques. « C’est incroyablement excitant d’être témoin et participant de cette vague de fond », affirme Kish. « Je vois l’intelligence, l’innovation et la créativité se manifester devant mes yeux au quotidien et je me sens vraiment reconnaissante d’avoir accès à ce puits intarissable d’inspiration. »

« La musique est une force de guérison, une médecine, dans notre communauté. C’est pour moi un honneur de faire partie d’une équipe d’auteurs-compositeurs qui parle de ce qui se passe autour de nous. »

Au-delà de son travail au sein de Digging Roots, Kish contribue maintenant à cette vague de fond en tant que cofondatrice (aux côtés de l’artiste autochtone Amanda Rheaume) du nouveau label Ishkode, qui soutient actuellement le travail de Rheaume, Digging Roots, Morgan Toney et Aysanabee.

Photo par Laurence Morin

Xela Edna & Eius Echo : La Musique comme sport de performance

Article par Élise Jetté | jeudi 4 aot 2022

Xela Edna et Eius Echo se connaissent depuis longtemps. Complices depuis l’enfance alors qu’ils pratiquaient le patinage de vitesse dans la même équipe, il se sont perdus de vue puis retrouvés pour investir de l’énergie ensemble à nouveau, cette fois de manière créative plutôt que sportive. Musicalement, ils additionnent leurs talents pour créer des ambiances qui poussent à danser et évacuer tout ce qui nous empêche de ressentir le bien-être pur et simple.

Xela Edna, Eius Echo

Photo : Maryse Boyce/Francouvertes

« Le sport de haut niveau, c’est prenant », lance Eius Echo qui est catégorique : la performance musicale a très certainement pris la place de la performance sportive dans leur vie. « On avait besoin du contraste le plus éloigné possible du sport, explique Xela Edna. Au lieu de tourner en rond, de faire quelque chose de physique et automatique, on s’est retrouvé dans la performance musicale. » Son partenaire de scène est d’accord : « Clairement, on a pris plein de caractéristiques du sport pour les appliquer à la musique : la persévérance, le don complet de soi… »

Se reconnaissant tous les deux comme des personnes créatives de nature, ils ont vu dans la musique un sentier praticable pour véhiculer des idées autant politiques que philosophiques. « Il nous fallait trouver une manière différente de coper avec la vie, précise Xela Edna. Le sport et la musique sont deux façons très thérapeutiques de sortir le méchant. »

Avant de travailler avec Eius Echo, Xela Edna écrivait en anglais. Un hip-hop langoureux qui flirtait avec le RnB et la soul. « Notre processus a un peu évolué, dit Eius Echo. Mais depuis toujours, je fais un beat et elle écrit dessus, puis on enregistre. Aujourd’hui, c’est plus complexe et il y a plus de couches. Souvent, elle arrive avec des maquettes complètes de chansons. » Ils aiment s’impliquer tous les deux dans la portion créatrice de l’autre. « J’écris de mon côté, en mode poésie et Eius Echo me donne des beats ou des thèmes. On fait de plus en plus des maquettes en solo, qu’on retravaille ensemble. »

C’est la fusion des deux talents qui a mené Xela à chanter en français. « Eius m’a poussée à le faire, se rappelle-t-elle. Je ne savais pas comment trouver mon son et je n’aimais pas ma voix en français. Finalement, on a essayé quelque chose de plus spoken word français sur des beats électroniques et de fil en aiguille, on est arrivés à ce que l’on fait aujourd’hui. »

Depuis les balbutiements de leur union musicale, ils souhaitent faire vivre une expérience scénique aux gens. « Ça a toujours été le but, soutient Eius. C’est ambiant et laid-back tout en étant agressif. On avait plusieurs types de beats et on voulait raconter des choses, avoir un fil conducteur. Quand on a commencé, on savait déjà ce qu’on voulait faire sans savoir comment et sans en avoir les moyens. On a mis en œuvre nos idées grâce aux études et à l’expérience. » Écrire en français a permis à Xela Edna de se rapprocher de sa vérité et Eius Echo a appris toutes les techniques qui leur permettent aujourd’hui de produire le son qui leur ressemble.

« À force d’être assise à côté de lui, j’ai aussi compris la patente, ajoute Xela. J’ai mis les logiciels sur mon ordi et j’ai appris en le regardant faire. J’ai toujours composé piano-voix. C’est plus nourrissant et plus original de commencer par des mélodies de cette façon-là. » Même si elle a tenté de créer avec d’autres producteurs, c’est en revenant toujours vers Eius Echo qu’elle a constaté que la passion qui le guide est un catalyseur de son propre talent.

Le résultat est tangible en spectacle : on assiste à une prestation multifacette porteuse d’un souci du détail minutieux. « On veut faire une démonstration physique, se sentir en vie », dit Xela. « Aujourd’hui, il n’y a rien de plus insignifiant que de sortir une chanson sur internet, ajoute Eius. Il faut que l’expérience soit plus grande que ça. »

Après trois EP, le duo travaille sur un premier album complet prévu pour 2023. « On cherche l’excentricité, dit Xela. On s’en inspire. Même si on fait de la musique électronique expérimentale, on puise les idées dans le travail de Klô Pelgag, Hubert Lenoir et tous ceux qui savent faire les choses de façon unique sans penser aux limites. »

 

Wesli : garder la musique en souvenir

Article par Élise Jetté | mardi 19 juillet 2022

WesliAu début du mois de juillet, Wesli a lancé dans le cadre du Festival international de Jazz de Montréal son sixième album intitulé Tradisyon, une ode à ses racines haïtiennes et aux parties oubliées de sa culture d’origine. Montréalais depuis plusieurs années, Wesley Louissaint a construit 19 chansons qui résonnent comme des hommages et des fragments nostalgiques de l’île qui a perdu les moyens de faire rayonner son art à sa juste valeur.

« Haïti a subi beaucoup de mutations culturelles influencées par la culture américaine, explique d’emblée Wesli. La situation géographique du pays, doublée par l’économie qui ne fonctionne pas, ça a avalé nos racines et notre francophonie aussi. »

La naissance de l’album Tradisyon est au cœur de ces racines-là. Il puise au plus profond d’une nation victime de ses malchances, une culture qui ne devrait pas « mourir de ça ». « Haïti n’arrive pas à nourrir son peuple et avec les années, les malchances et les catastrophes naturelles nous ont affaiblis culturellement. On n’a pas pris au sérieux ce que nos ancêtres nous ont laissé. »

C’est un travail de moine qui a donc habité l’artiste montréalais alors qu’il a voulu creuser pour rattraper dans leur chute, toutes les bribes de culture musicale haïtienne en voie de disparition. « Je veux donner cette vision, cette motivation de réinsérer les Haïtiens dans leurs racines, leur rappeler ce qu’ils connaissaient avant », complète Wesli.

Mardi 19 juillet 2022, il présentera ses nouvelles chansons au Festival Nuits d’Afrique à Montréal. « Dans ce spectacle, on va rencontrer les chansons de mon nouvel album, enracinées encore plus profondément dans la musique haïtienne. Je vais aussi faire des chansons de tous mes autres albums pour ne jamais dépayser les gens qui me soutiennent depuis longtemps », explique Wesli. Jusqu’au 24 juillet, le festival expose la fierté de toutes les musiques de souche africaine. « Sans un évènement comme celui-là, Montréal ne connaîtrait pas toute cette immensité culturelle musicale qu’offre le reste du monde », soutient Wesli.

La démarche derrière Tradisyon sera donc présentée en entier et « en vrai », pour que la mémoire haïtienne résonne par-delà les frontières. « Cet album, c’est une démarche assez gigantesque parce que mon point de départ, ce sont des rythmes perdus. Les Haïtiens ont perdu leurs racines créoles. Je fais des hommages à Azor Rasin Mapou (sur la pièce Samba), à Wawa Rasin Ganga (sur la pièce Wawa Sé Rèl O) et à Éric Charles aussi (sur la pièce Konté M Rakonté), un ténor de la musique troubadour. J’ai pu voir que ça me prendrait plus qu’un album pour approfondir mon sujet », conclut-il en riant.

Wesli accepte sans broncher le devoir de transmission qui est devenu pour lui un quasi-mantra. Il perçoit la richesse de la musique et son possible partage par le métissage des sons folkloriques et modernes. Pour lui, cela va néanmoins de soi : « Les influences musicales, elles sont naturellement mélangeables. Aucun musicien ne peut rendre les musiques compatibles, insiste-t-il. Il y a une âme que toutes les musiques portent et ça communique. Je tiens à reconnaître et écouter cette âme pour la partager dans ma musique. »

Pour Wesli, la musique porte donc en elle cette âme universelle qui n’a pas de langue, de nationalité ou d’instrument prédéterminé. C’est tout simplement plus grand.

« Je n’avais pas le choix de quitter Haïti pour parler d’elle. Je suis dans la situation idéale, au Canada, pour faire connaître les racines de ma patrie. Si j’étais là-bas, je n’aurais pas assez de sous pour faire cette démarche. Ça prend une aisance économique pour faire valoir nos valeurs artistiques. Vivre en Haïti, c’est la survie. Les gens ne voient pas ce qui a été perdu et ce qui doit être récupéré. »

Il voit sa vie ici comme une chance unique de partager sa nostalgie. « C’est certain qu’on se sent coupable d’avoir des opportunités. Et on sait qu’on ne ferait pas mieux que les nôtres, si on était restés là-bas. L’idée, c’est de profiter des possibilités pour les faire briller sur l’endroit d’où l’on vient. »

Les recherches de Wesli l’ont mené vers tant de découvertes qu’un simple album ne saurait couvrir. Un septième album, Tradisyon 2, est d’ailleurs prévu pour septembre 2022. « Je devrai faire 5 ou 6 albums pour faire valoir les valeurs haïtiennes telles que je les vois. Je veux dire aux jeunes de jouer ces rythmes que nos ancêtres nous ont laissés. En Haïti, on a évidemment emporté d’Afrique les valeurs de servitude dans les colonies, mais notre générosité, l’aspect social, l’espoir de notre nation et tant d’autres choses doivent continuer à vivre à travers la culture. »