Photo par Left to right/De gauche à droite : Anaïs Larocque (courtesy/courtoisie), Evan MacDonald (courtesy/courtoisie), Benoit Groulx (Émilie Rosas)

#Compositeursàl’affiche : Trois compositeurs de musique a l’image a surveiller

Article par Élise Jetté | jeudi 17 fvrier 2022

Un contenu visuel présenté à l’écran ne serait jamais complet sans un complément sonore peaufiné, conçu pour s’emboîter avec lui comme un morceau de son casse-tête. Qu’elle soit conçue expressément pour une scène de film, une série ou une publicité ou bien qu’elle soit produite sans arrière-pensée, la musique rehausse les images dans toutes les sphères de notre vie et ces trois compositeurs québécois à surveiller s’y consacrent, chacun à leur manière.

Anaïs Larocque

« Enfant, mes jouets étaient tous des instruments de musique », annonce d’emblée Anaïs Larocque. Admiratrice de l’œuvre de Michel Corriveau, la jeune femme de 35 ans compose de la musique à l’image depuis un peu plus de six ans. Après des études en jazz au cégep et à l’université, ce sont les cours de musique numérique qu’elle a gardés en tête.

« Après mon bac, j’ai décidé de faire un DESS en musique de film, dit-elle. J’ai participé au Concours international de musique de film de Montréal. Je suis arrivée deuxième. L’année d’après, ils voulaient que je fasse partie du préjury. J’ai dit non et j’ai refait le concours. J’ai eu la première place et ça m’a donné mes premières opportunités. »

Surtout sollicitée pour créer de la musique destinée aux publicités, c’est le documentaire Odyssée sous les glaces (2019) qui marque son « envolée professionnelle ». « J’ai aussi travaillé sur Nature of Things à CBC et j’ai été très occupée pendant la pandémie, j’ai fait le documentaire The Walrus and the Whistleblower. Les documentaires, c’est ce que j’aime le plus faire parce que je compose en apprenant des choses. »

Elle éprouve un fort intérêt pour les compositeurs sensibles qui doivent se coller musicalement à des histoires qui le sont tout autant. Elle perfectionne son art à distance en suivant des cours en ligne au Berklee School of Music. « Mon rêve serait de faire un film de fiction et d’enregistrer un orchestre symphonique. J’ai l’impression d’avoir pensé à cette carrière sur le tard, mais pourtant quand j’étais enfant, j’écoutais les films pour la musique qu’il y a avait dedans donc je suis convaincue, aujourd’hui, que je suis à ma place. »

Evan MacDonald

« Mon oncle m’a donné une guitare quand j’avais dix ans and the rest is history », dit Evan MacDonald en riant. À l’aube de la trentaine, le compositeur possède déjà un bagage enviable en création de musique à l’image. «Mes parents m’ont donné l’opportunité d’essayer tous les instruments parce que je n’étais pas du genre sportif. J’ai étudié en musique au Collège Vanier et à McGill et jusqu’à l’âge de 22 ans, tout ce que je voulais être, c’est guitariste. C’est vraiment à 22 ans que j’ai eu mon épiphanie. »

Cette épiphanie est arrivée avec un cours d’été en musique à l’image, à distance à Berklee. Puis il a décidé d’appliquer sur le véritable programme de maîtrise, offert en Espagne, pour lequel il a été accepté avec une bourse d’études. Il a ainsi terminé ses deux ans d’étude à McGill en quelques mois pour ne pas manquer cette opportunité.

« Après un an en Espagne, je suis rentré à Montréal et je savais que la musique à l’image, ce serait ça mon travail, affirme Evan, confiant. J’ai envoyé 100 courriels chaque jour pour écrire de la musique de film pour des réalisateurs de partout. Je n’ai presque pas eu de réponses, mais chaque fois que j’en ai eu, j’ai pris tout le budget du projet pour enregistrer des orchestres de plusieurs musiciens. Je voulais me faire un portfolio. »

Après son premier gros projet, le documentaire That Never Happened (2017), il s’est tourné vers la publicité. Extrêmement en demande, il a composé pour Google, Pepsi, BMW, Toyota et plus. « J’ai même fait la musique pour la campagne télé de Joe Biden aux élections américaines », relate-t-il ébahi.

Sa méthode actuelle de composition est d’offrir ses enregistrements à une banque de son, PremiumBeat, la branche audio de Shutterstock. Il s’est exécuté au studio Abbey Road dans le passé pour produire ce type de morceaux et il y retournera ce printemps. « J’essaie de repousser toujours mes propres limites pour alimenter une librairie, explique-t-il. Je regarde beaucoup de publicités pour voir ce qui fonctionne dans le moment. J’ai l’impression d’être en compétition avec les meilleurs au monde quand je fais des sons de librairie parce que tout le monde peut soumettre sa musique et il faut que tu produises la meilleure pièce possible pour que le client achète ta musique. Certains collaborateurs de la banque de sons ont déjà gagné des Grammy. J’aime ce genre de compétition qui me permet de toujours vouloir faire quelque chose de mieux. »

Quand on lui demande ce qu’il aimerait faire dans le futur, Evan admet qu’il a l’impression d’avoir déjà tout fait. « J’ai l’impression que je suis arrivée au sommet de ma carrière, déjà, dit-il en riant. Je voudrais continuer à faire ce que je fais avec des gens créatifs. »

Benoit Groulx

Même s’il n’a pas commencé par des études en musique, Benoit Groulx a toujours eu une vocation intrinsèque pour le métier. « J’ai joué de la musique de manière peu disciplinée quand j’étais jeune, se rappelle-t-il. Éventuellement, j’ai réalisé que j’avais de la facilité à reconnaître les structures en musique. »

Après des études universitaires en écriture musicale, il devient l’assistant du compositeur François Dompierre. « À l’âge à 30 ans, j’ai eu ma crise de la quarantaine, s’amuse-t-il. J’en arrachais un peu. Je suis parti un hiver en Inde et en revenant plusieurs personnes voulaient travailler avec moi. J’ai fait des arrangements pour Daniel Lavoie et Louise Forestier entre autres, des contrats plus sérieux qui ont donné un lustre à ma carrière. »

En 2000, il a orchestré The Secret Adventures of Jules Verne, une série anglo-canadienne en 22 épisodes de 60 minutes. « C’est le compositeur anglais Nick Glennie-Smith qui était à la tête du projet. Il composait et j’orchestrais. » Bonne équipe, le duo décide de continuer à travailler ensemble à plusieurs reprises. « On a fait des films à Los Angeles, en Angleterre, en Europe de l’Est. »

Son plus gros projet récent est une série de la BBC, Jonathan Strange et Mr Norrell (2015) réalisé avec Benoit Charest. « On avait 7h de musique à écrire en deux mois avec des réalisateurs très cultivés musicalement. C’était tellement enrichissant. »

À la suite d’une maîtrise en composition, Benoit Groulx décide d’écrire de la musique de concert et il enseigne désormais à l’Université de Sherbrooke. « Je suis au début de la cinquantaine. J’enseigne à des jeunes qui veulent faire mon métier et il y a beaucoup de talent », croit Benoit Groulx qui espère néanmoins encore entendre sa musique être jouée par des orchestres.

« Il n’y a rien qui équivaut à ça, à voir ta composition être interprétée. Je ne suis pas de la génération des synthétiseurs et je veux continuer à travailler avec des musiciens jusqu’à la fin de ma carrière, dit-il. Je suis de ceux qui préfèrent écrire plus sobrement et laisser la magie opérer avec des humains dans la pièce. »

Photo par Camille Gladu-Drouin

NOBRO : Comme si le monde n’existait plus

Article par Olivier Boisvert-Magnen | mardi 22 fvrier 2022

Avec son deuxième EP Live Your Truth Shred Some Gnar, NOBRO se rapproche dangereusement de son objectif : être le groupe féminin le plus «kick-ass» de tous les temps.

NOBROD’emblée, le titre en dit long sur le quatuor punk rock montréalais : les filles de NOBRO « vivent leur vérité » de manière crue et authentique, dans leur musique comme dans leur quotidien. Par leur jeu rapide et fougueux, elles incarnent à merveille cette expression typique de l’univers des sports de glisse : « shred some gnar », prouesse qui consiste à descendre une montagne avec une vitesse et un enthousiasme exceptionnels, tout particulièrement lorsque les conditions sont difficiles. Dans le monde du rock, shredder s’applique aussi au jeu exceptionnel des guitaristes virtuoses.

« C’est notre mojo en général, jouer vraiment vite et de façon impressionnante », résume la percussionniste et claviériste Lisandre Bourdages, le sourire dans la voix.

Et pour ce qui est des conditions difficiles, disons qu’en tant que groupe féminin dans un univers à forte prédominance masculine, NOBRO est bien servi. « On est des femmes dans un milieu punk, donc c’est sûr qu’y’a fallu faire notre place. C’est probablement aussi un clin d’œil à tous les shows bruns qu’on a faits. Les conditions sont jamais faciles quand on commence. »

« Mais le rock, it’s a way of life », ajoute la guitariste et chanteuse Karolane Charbonneau. « Quand tu aimes ça, tu en fais… whatever les conditions ! »

NOBRO, c’est avant tout une histoire de détermination. Musicienne d’expérience, la chanteuse et bassiste Kathryn McCaughey a mis du temps avant de trouver la parfaite alliance pour donner vie à son projet de rêve, celui de former un groupe punk rock entièrement féminin. Initié en 2014 dans sa première incarnation, le groupe a subi divers remaniements et s’est trouvé une stabilité il y a trois ans lorsque Karolane Charbonneau a rejoint l’équipe étoile de McCaughey, déjà complétée par Lisandre Bourdages et la batteuse Sarah Dion.

« Ça faisait une couple d’années qu’au fond de moi, je voulais faire partie d’un groupe punk. Je voulais me défouler, m’exprimer d’une autre façon », dit la dernière venue, également membre du groupe Comment Debord. « Tu peux pas manquer de confiance en toi quand tu joues une toune de NOBRO. C’est fou ce que Kathryn dégage. On pourrait inviter n’importe qui d’un peu insécure sur scène et cette fille-là se sentirait à sa place. Quand on joue, c’est comme si le monde n’existait plus. »

« Dès que tu parles à Kathryn, elle te donne confiance », renchérit Lisandre Bourdages, également membre du trio féminin Les Shirley avec Sarah Dion. « Même si elle te connait pas, elle va croire en ton potentiel. Elle relève toutes les femmes autour d’elle. »

En soi, la musique de ce deuxième mini-album a tout pour donner confiance. Avec son vivant mélange de rock garage, de punk irrévérencieux à la Ramones et de pop rock des années 1960, Live Your Truth Shred Some Gnar amplifie considérablement l’intensité et la fougue de Sick Hustle, paru en 2020.

C’est une fois de plus à Thomas D’Arcy (July Talk, The Sheepdogs) que le quatuor a fait appel pour réaliser l’EP. L’enregistrement a eu lieu il y a un an et demi au studio Taurus Recording de D’Arcy. « On s’est donné deux semaines pour tout faire. On voulait prendre le temps de vivre le moment présent, d’essayer les chansons. Et on a enregistré tous les instruments ensemble, en même temps. Ça vient probablement expliquer le côté raw », analyse Bourdages. « On n’avait pas fait ça pour l’autre EP, et je pense que ça parait », ajoute Charbonneau.

La guitariste fait ici ses premiers pas comme principale autrice, compositrice et interprète d’une chanson de NOBRO, en plus de signer la première pièce en français de l’histoire du groupe (Bye Bye Baby). « Il était arrivé quelque chose dans ma vie, un gros breakup, j’allais vraiment pas bien », confie-t-elle. « Kathryn venait souvent chez nous et elle m’a dit : ‘’Je pense que c’est ton meilleur moment pour écrire une chanson. Ça va donner de quoi de powerful !’’ Au début, j’étais pas certaine – car je suis vraiment quelqu’un de gênée dans la vie – mais j’ai accepté le défi. Quand est arrivé le moment d’interpréter la chanson au local de répétition, j’étais juste incapable de la jouer ! Kathryn me criait : ‘’T’es capable!!’’»

En fin de compte, l’exercice a été presque thérapeutique. « La chanson de break-up classique, c’est une bonne façon de se libérer de ses émotions. Ça m’a full aidé de la jouer live, de la crier. »

Toutes les chansons de NOBRO ont ce côté libérateur – de l’épique intro gospel de Better Each Day au trip psychédélique de Life is a Voyage, qui conclut de manière très joviale le mini-album. Les paroles franches et sans détour de McCaughey représentent à merveille l’esprit festif et brut, presque sauvage, du projet. « Kathryn a un bon passé, qui lui permet de nourrir pas mal de textes. Elle a été wild, elle a fait bien des affaires », explique Lisandre Bourdages. « Mais à part ça, on n’est pas si wild que ça. »

« On est capables de faire la fête quand même. Juste pas tous les jours », nuance Karolane Charbonneau. « Dans le fond, on n’est peut-être pas vraiment un band punk. »

Jade Eagleson : de la ferme au Top 10

Article par Nick Krewen | mardi 15 fvrier 2022

Depuis que Jade Eagleson, 27 ans, de Milford, en Ontario, a décidé de mettre son tracteur de côté pour écrire des chansons, il y a un peu moins de cinq ans, le monde de la musique country l’a accueilli à bras ouverts.

Tout ce qu’Eagleson a accompli durant cette relativement brève période est plutôt impressionnant. Il a lancé deux albums, son plus récent étant Honkytonk Revival en novembre 2021. Il compte six simples dans le Top 10 country au Canada, incluant trois No 1 : « Lucky », « All Night To Figure It Out » et « More Drinkin’ Than Fishin’ », un duo avec Dean Brody. Il a reçu une certification Platine (80 000 exemplaires vendus) pour « Got Your Name On It » (2018) et deux disques d’or (40 000 exemplaires vendus) pour « Count The Ways » et « Close ». En 2019, il a reçu le Rising Star Award de la Canadian Country Music Association et il a été finaliste aux JUNOs à deux reprises jusqu’à maintenant. Il cumula à ce jour plus de 200 millions d’écoutes sur les services de diffusions en continu et plus de 78 millions de visionnements sur YouTube. Anecdote touchante, c’est sur le plateau de tournage du clip de cette chanson qu’il a rencontré Maria Paquin qui est devenue son épouse moins d’un an plus tard.

Tout a commencé en 2017 quand Eagleson a donné un spectacle qui allait changer sa vie dans le cadre du Emerging Artist Showcase du festival Boots and Hearts (un parcours emprunté auparavant par e tout aussi rural groupe ontarien James Barker Band).

« Boots and Hearts a été une expérience que je ne pourrais comparer à aucune autre », se souvient l’homme désormais installé à Nashville. « C’était assez impressionnant de monter sur scène et chanter les chansons que j’ai écrites et d’entendre les gens réagir aussi forte pour la première fois. J’ai souvent joué à Millford et dans notre honky tonk local, qui est quand même assez gros, mais ça reste seulement une ou deux centaines de personnes. Mais à Boots and Hearts, on parle de milliers de personnes et t’es comme “Ho-ly!” La crainte de Dieu a été mise en moi la première fois que je suis monté sur scène. C’était une sorte de poussée d’adrénaline qui m’a confirmé que c’était ce que je voulais faire pour le reste de ma vie. »

Grâce à son baryton tout ce qu’il y a de plus country, Eagleson a d’abord fait sa marque avec un EP éponyme en 2018, puis avec son album éponyme en 2020 sur lequel il a reçu l’aide d’un noyau de collaborateurs membres de la SOCAN – Travis Wood, de Beaverton, en Ontario, ainsi que Gavin Slate et Todd Clark, de Toronto (qui ont tous trois eu beaucoup de succès en collaborant avec James Barker) – qui lui ont fourni six des dix chansons de l’album.

Eagleson a une anecdote amusante à propos de l’écriture de « A Little Less Lonely » lors de sa première rencontre avec Slate et Wood à Toronto.

« J’ai fait la connaissance de Gavin et Travis quand je commençais à peine à faire partie du monde country », se souvient Eagleson. « Je n’avais aucune idée comment étaient structurées ces séances d’écriture. On se remue les méninges pendant quelques jours et après on va prendre une couple de bières? Je n’avais aucune idée. Je travaillais encore sur la ferme à cette époque, alors on a commencé à écrire, mais au bout de quatre heures, c’était tout le temps que j’avais. Je leur ai simplement dit : “vous savez quoi, les gars? Il faut que je rentre pour nourrir les cochons”. »

Sauf que Wood et Slate n’ont pas compris qu’il était sérieux et ils ont présumé que ce qu’il venait de dire était un « Eaglesonisme » pour dire qu’il allait prendre un café ou fumer une cigarette. Deux heures après être arrivé chez lui à Milford, il a reçu un coup de fil de son ami qui l’avait présenté au duo d’auteurs. « Il m’a dit “pourquoi t,es parti?”, se souvient Eagleson. “Encore aujourd’hui, on me taquine à ce sujet et quand on prend une pause pendant une séance de travail, les gens me disent ‘ne va surtout pas nourrir les cochons!’”

Eagleson a coécrit deux des huit chansons de son plus récent album, Honkytonk Revival – “Whiskey Thinks I Am” en compagnie de Daryl Scott et “I Don’t Think” avec Scott et Kyle Renton – et il explique cela par la pandémie.

“C’était difficile d’organiser des séances d’écriture”, avoue Eagleson. “Bien sûr, il y a des technologies pour pallier à ça, mais je trouve qu’on perd une part d’authenticité quand on travaille via Zoom. Il m’est arrivé d’avoir des idées géniales en utilisant cette méthode, mais il est difficile d’écrire quand on ne lit pas ou qu’on ne ressent pas les émotions de la pièce. J’ai beaucoup écrit durant la pandémie, mais rien qui m’a donné l’impression que c’était ce que les fans ont vraiment envie d’entendre. On a donc commencé à demander aux créateurs de nous proposer des chansons et quand il y en avait une qui était meilleure que ce que moi j’avais écrit, c’est celle-là qu’on gardait.”

L’expertise Eagleson : trois conseils pour les auteurs-compositeurs en herbe

  1. « Une chanson ne s’écrit pas en une journée. »
  2. « Peaufinez vos idées. »
  3. « Amusez-vous. »

Eagleson affirme que son outil de choix pour consigner toutes ses idées est son iPhone. “Souvent, mes idées viennent quand je suis en train de faire quelque chose d’autre et je n’ai pas le temps de tout laisser tomber pour prendre ma guitare et écrire”, explique l’artiste. “Souvent, c’est quand je vais au lit – heureusement ma femme ne s’est pas encore plainte de ça – et je vais attraper mon iPhone pour enregistrer un mémo vocal en fredonnant une chanson. C’est ma façon de faire pour le moment. J’enregistre une idée de mélodie et j’y reviens plus tard pour la peaufiner.

‘Après, je la présente aux autres pour savoir ce qu’il en pensent avec un squelette de mélodie à la guitare pour qu’ils comprennent où je m’en vais. Des fois ça se passe super bien et on a d’excellentes idées. D’autres fois, disons que c’était pas ma meilleure idée. Mais on ne perd rien à essayer.’

Si Eagleson prend le temps d’écrire seul, il aime aussi l’art de la collaboration, et aimerait un jour écrire avec Shania Twain. “C’est toujours bon d’avoir l’opinion de quelqu’un d’autre. Je connais plein de monde qui pense que les collaborations ne sont pas aussi créatives, mais je suis vraiment en désaccord avec ce point de vue. Plus on est d’auteurs, plus on a de perspectives différentes sur la vie. T’as cette situation couchée sur papier et tu travailles avec deux ou trois autres gars qui vivent la même chose, mais de façon légèrement différente, et tout d’un coup, ton public sera d’autant plus large.”

“Tu ne te rends pas compte de toutes les possibilités d’amélioration tant que tu n’écris pas avec quelqu’un d’autre qui fait ça depuis plus longtemps”, admet-il. “T’écris avec cette personne et tu réalises ‘Man! J’aurais jamais pensé à le dire de cette façon!’ Tu n’aurais pas pensé à utiliser telle structure d’accords ou telle tournure de phrase. Ça fait vraiment passer ton écriture à un autre niveau.”