Les paroles d’Antoine Corriveau n’ont jamais été cryptiques, mais n’ont sans doute jamais été aussi limpides, et aussi peu habillées de métaphores que dans Deux femmes, la clé de voûte de Feu de forêt, son nouvel EP.

Imaginez un instant l’impérieuse voix musquée de Corriveau égrenant ces mots simples, mais d’une exceptionnelle intensité, comme si la chanson se dépliait au même moment où son créateur voyait enfin la réalité, aveuglante, en face.

Antoine CorriveauTranquillement je reviens
Il est cinq heures du matin
Il vente à l’arrière du taxi
Entre deux femmes je suis ici

Tranquillement je reviens
Celle de droite me prend par la main
On pleure à l’arrière du taxi
Entre deux vies je suis ici

Quand elle est partie
C’est là que j’ai compris
Tu ne seras pas l’amour de ma vie

« Je sentais que je disais les choses très, très, très, peut-être trop clairement, et je me suis longtemps posé la question de comment je dealais avec ça », raconte l’artiste au sujet de ce texte incendiant tous les masques, une chanson confession à laquelle il donne vie sur scène depuis quelque temps, même s’il l’avait écartée de son précédent album, Cette chose qui cognait au creux de sa poitrine sans vouloir s’arrêter.

« La réponse à laquelle je suis arrivé, c’est qu’il faut absolument que je sois game d’aller là, parce que sinon, ça ne sert à rien. Enregistrer cette chanson-là, ça m’a aidé à comprendre qu’à partir du moment où j’ai un peu la chienne quand j’écris une phrase, c’est qu’il faut que je la chante. Je suis un grand fan de Dylan et je repense souvent à ce discours de remerciement dans lequel il disait que, tout au long de sa carrière, sa voix s’était fait critiquer, qu’on lui avait dit qu’il chante comme une grenouille. Dylan répliquait quelque chose comme: « La prochaine fois que vous vous voudrez évaluer une voix, demandez-vous pas si elle est belle, demandez-vous si elle dit la vérité. » »

Pas un fan du format EP

« Honnêtement, je ne suis pas un fan du format EP », lance Antoine Corriveau en riant, trop conscient qu’il ne s’agit pas forcément de la meilleure phrase à prononcer pendant une entrevue faisant la promotion d’un EP. Élaboré à partir des pièces écrites afin d’étayer le fil narratif du grand concert qu’il présentait à l’Usine C en décembre 2017, Feu de forêt marque à la fois la fin d’un cycle créatif et le début de son association avec l’étiquette montréalaise Secret City Records (Patrick Watson, The Barr Brothers, Suuns).

Un mariage qui tombe sous le sens, dans la mesure où les musiques portées par la maison coudoient spirituellement celle de Corriveau, premier franco parmi cette écurie anglo. Leur bureau en Europe pourrait éventuellement lui permettre de se rendre plus souvent là-bas – on lui souhaite.

Pas tellement fan du format EP, donc? C’est qu’Antoine Corriveau croit toujours à l’ensorcelant pouvoir de l’album complet, écouté de bout en bout, une vision en radical porte-à-faux avec la toute-puissante culture de la liste d’écoute. Lors d’une récente visite dans une école secondaire (où il donne parfois des ateliers), une jeune fille lui confiait ne connaître le nom d’aucun des artistes dont les mélodies meublent ses journées. La faute à quoi? La faute au streaming, faisant défiler les ritournelles dans l’anonymat total, pour peu que l’on ne jette pas un œil à son téléphone.

« C’est ben complexe comme question, mais moi, je trouve que ça désacralise la musique, que ça lui enlève beaucoup de valeurs [le streaming]. Oui, on consomme beaucoup plus de musique, mais comment on la consomme? J’étais content de mes trois mois gratuits d’Apple Music, je pouvais écouter mes vinyles chez ma blonde, mais j’ai fini par détester ce que ça créait dans mon rapport à la musique. Cette orgie de choix fait que je passe 45 minutes à me demander ce que je veux écouter, mais ça nuit aussi aux liens intimes qu’on développe avec un album qu’on écoute à répétitions. »

On aura compris que ce spectacle en ambisonie qu’il présente le 9 novembre au Club Soda à Montréal dans le cadre de Coup de cœur francophone, et qui fera éclater la stéréophonie traditionnelle grâce à un déploiement d’enceintes placées devant, derrière et parmi la foule, compte parmi les ruses de l’auteur-compositeur afin de réenchanter notre rapport à une musique que l’on ne jetterait pas après usage.

Grâce à Gilles Vigneault

La musique, dans toute sa souveraineté, triomphera néanmoins toujours, peu importe les avanies qu’encaissent ses émissaires (c’est du moins ce que l’on se répète, pour se rassurer). Mon coeur paré passera partout proclame Antoine Corriveau, le titre d’une chanson ayant émergé lors d’un atelier d’une semaine à Saint-Placide, chez Gilles Vigneault.

« On devait avoir créé une nouvelle chanson à la fin de la semaine et si Fanny [Bloom] la chante avec moi sur le EP, c’est parce que c’est la première personne à qui je l’ai présentée. Je ne savais pas trop en fait ce que je disais dans cette chanson-là, mais le soir où je l’ai chantée à Fanny, on a réalisé ensemble que c’est ce monsieur de 90 ans, son désir de contribuer et de léguer une tradition de poésie en français en Amérique, qui l’avait inspirée. »


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La dernière fois que Marie-Mai a fait la une de Paroles & Musique, elle posait en couverture au côté de son amoureux et fidèle collaborateur de l’époque, Fred St-Gelais. Le titre de l’article? À quatre mains. C’est dire à quel point sa séparation avec le musicien et réalisateur en janvier 2016 a créé un trou immense dans sa carrière. Et comme si ce n’était pas suffisant, Marie-Mai a aussi mis fin à son association avec son équipe de gérance (Productions J) et sa maison de disques (Musicor). Du jour au lendemain, elle venait de perdre trois piliers présents depuis les débuts. Seule, sans machine derrière elle, la chanteuse a pansé ses plaies et lance cette semaine Elle & moi, son sixième album. Entrevue sans filtre.

Marie-MaiCeci est la toute première entrevue que tu donnes depuis que tu as fait table rase. La première d’une longue série d’entretiens prévus pour la parution d’Elle et moi. Comment appréhendes-tu ce nouveau cycle promotionnel qui s’amorce?
Je réfléchis encore à ce que je veux dire, à comment je vais le dire. Elle et moi est un album hyper personnel du début à la fin. Mon plus personnel en carrière. Je n’ai jamais consacré un album entier à une période de ma vie comme je viens de le faire. Ce disque était mon journal intime pendant que je vivais tous ces bouleversements. J’avais beaucoup de choses à dire, du chaos et de belles choses. J’avais aussi besoin de remettre les gens à la page sur ce que j’avais vécu. Les gens se sont fait une idée de ma situation via ce qui a coulé dans les médias. Je voulais donner ma version. Ce disque est une porte ouverte sur mon histoire des dernières années. Chaque chanson en dit un peu plus sur moi, et je sais qu’en l’écoutant, les gens vont se poser des questions. A-t-elle vraiment fait ça? S’est-elle vraiment sentie comme ça? Je ne sais pas encore ce que je vais répondre en entrevue, où je vais mettre mes limites.

Ton album débute directement dans le coeur du sujet avec le premier extrait, Empire. « Jamais été aussi bas, jamais vu ma vie sans toi » y chantes-tu avant d’enchaîner avec le refrain: « j’ai un empire à reconstruire ». À quel point étais-tu démolie par les événements?
Empire est la première chanson que j’ai écrite pour l’album. Toutes les insécurités que j’ai vécues sont dans cette pièce. Je n’avais plus de maison de disque puisque le contrat s’était terminé avec la parution de M en 2014. Le contrat avec mon équipe de gérance se terminait également. J’étais dans le néant. Je devais me rendre en studio pour la première fois sans Fred. J’avais peur. Je me demandais si j’étais vraiment une auteure-compositrice à part entière. Ça faisait 11 ans que je travaillais de la même manière. Tous ces changements m’ont amenée à compromettre ma confiance en moi. Sans Fred, sans les fans, sans la scène, sans une équipe autour de moi… J’étais petite en tabarnouche.

Fred et toi avez mélangé l’amour et le travail pendant plus de 11 ans. Vers la fin, sachant que son absence allait ébranler ta carrière, est-ce que Marie-Mai l’artiste a essayé de convaincre Marie-Mai l’amoureuse de maintenir le couple en vie?
La musique était une chose très importante de notre vie, mais ce n’était pas la raison première de notre amour. Lorsque tout allait bien, on se disait qu’on continuerait de faire de la musique ensemble même si on se séparait. C’est facile de penser que ta vie va bien quand tu roules à 300 km/h. Avec les enregistrements d’albums, les collaborations, les tournées et les apparitions médiatiques, t’as pas le temps d’y penser. Tu vis dans l’illusion que tout va bien. J’avais 18 ans lorsque j’ai rencontré Fred. J’en ai 30 aujourd’hui. À un certain moment, je me suis demandé qui j’étais vraiment, si ce que je faisais était en accord avec la femme que j’étais devenue. C’est comme si à force de vivre dans mes valises, j’avais perdu de vue ma véritable place. Mais la vie continue. Je suis maintenant ailleurs. Fred aussi. Il a une magnifique blonde, et je ne veux pas constamment parler de lui. Toute cette situation est un peu injuste pour Fred parce que c’est moi qui donne des entrevues. Je lui ai parlé récemment. Je lui ai dit que j’arrêterais de parler publiquement du couple qu’on formait, par respect pour lui. Mais je vais toujours l’encenser et lui accorder tout le crédit qu’il mérite. Avant de le rencontrer, j’écrivais des poèmes dans mon agenda. Je ne savais même pas que je pouvais écrire des chansons.

Musicalement, qu’est-ce que son départ a changé dans la composition de ce nouveau disque?
Fred et moi formions un bon team parce qu’on venait de deux univers différents. Il a toujours été un gars de rock et moi de pop. J’ai aimé le rock de Green Day ou Blink 182, mais je suis une fille de pop, du bout de mes cheveux jusqu’à mes orteils… Donc si tu enlèves Fred de ma création, tu enlèves les guitares. C’est la grande différence. C’est ni pire, ni mieux, c’est différent. Mais tu sais, à plusieurs reprises pendant le processus de composition, je me posais la question: « Qu’est-ce que Fred ferait? » Parce qu’il m’aidait avec mes textes et mes mélodies. J’ai tendance à compliquer les mélodies pour rien. Fred travaillait avec moi pour ramener ça à une forme plus simple et efficace.

Marie-Mai

Tu avais la chance de t’entourer de nouveaux collaborateurs en studio. Comment les as-tu choisis?
Je suis allée faire une session d’écriture à Los Angeles. Je voulais travailler mon muscle d’auteure-compositrice qui ankylose s’il est au repos trop longtemps. Coupée du monde extérieur, loin de ma réalité quotidienne, j’écrivais sans pression. On m’a un jour jumelée avec un compositeur britannique, Oliver Som (qui a collaboré avec James Blunt et Robbie Williams). Ensemble, on a écrit une très bonne pièce destinée à un autre artiste. Ç’a cliqué. On a vite développé une chimie semblable à celle que j’avais avec Fred. Ça m’a fait énormément de bien. J’ai compris que je pouvais retrouver mes réflexes avec un autre compositeur. Puis, on a passé un an sans se parler. Lorsque j’étais prête à retrouver le studio, il est venu au Québec, et on a fait le disque ensemble.

Jusqu’à quel point as-tu besoin d’un compositeur / réalisateur pour t’épauler?
Lorsque je compose, j’ai besoin de jouer au ping-pong avec quelqu’un. Lui envoyer mes maquettes, recevoir ses commentaires, améliorer la chanson. Souvent, je pars d’un beat pour accoucher d’une mélodie. J’avais besoin d’Oliver pour habiller les chansons et me challenger. C’est comme ça que je travaille. Mon chum, David Laflèche, est intervenu en fin de parcours pour optimiser les mixes des chansons.

Dans tout ce processus créatif, as-tu réfléchi au son Marie-Mai? Comment l’abordes-tu en 2018? Écoutes-tu ce que font Katy Perry ou Taylor Swift par exemple?
J’ai jamais abordé ma musique en pensant à ce que les autres faisaient. Mon mélange de pop et de rock n’a jamais eu la même signature que la musique de Katy Perry ou Taylor Swift. Je vois ce nouveau disque de la même manière. J’aime la pop européenne de Robyn, mais je ne peux pas dire qu’il y a des chanteuses qui m’inspirent vraiment par leur style musical. Je reconnais que Katy Perry a de bonnes chansons, mais je n’arrive pas en disant « on doit faire comme Katy ». Au final, j’écoute mon nouveau disque et je trouve qu’il sonne comme moi. Ce sont les mêmes mots, le même genre de mélodies. Les gens vont reconnaître ma signature. C’est ma force, mon univers. J’ai écrit ce disque pour retrouver ma confiance en moi.

À quel moment as-tu retrouvé cette confiance?
Ça s’est fait graduellement chaque fois que je terminais une chanson. Lorsque ça arrive, tout ce qui m’insécurise disparaît. Quand on t’enlève ce qui te définit comme personne, tu perds tes sens. Je les ai retrouvés à coup de chansons, et encore davantage lorsque je me retrouvais en studio avec Oliver. Je sentais que les choses se passaient, comme si rien ne s’était arrêté. J’ai compris à ce moment que ma carrière n’était pas sur stop, mais seulement sur pause. C’est ce que je chante dans la pièce Exister. À partir de là, chaque pas en avant m’a rapproché de qui je suis aujourd’hui. Je veux faire ce métier pour inspirer les gens avec mes textes. En écrivant un album aussi personnel, je crois que je pourrai les toucher. Les remises en question et les crises existentielles arrivent à chacun d’entre nous pour des raisons différentes. Il fallait que je le vive pour apprendre et avancer.

Qu’as-tu appris?
À être moi-même. Apprendre à vivre avec la dualité entre Marie-Mai, celle que tout le monde connaît, et Marie-Mai Bouchard, celle que personne ne connaît. Marie-Mai, c’est un bloc de béton. Marie-Mai n’a pas le droit d’être insécure lorsqu’elle chante au Centre Bell, au Stade de France avec Johnny Hallyday ou lors de la cérémonie des Jeux Olympiques. Bouchard, c’est l’inverse. Elle est timide, insécure. Elle vit toutes sortes d’émotions. C’est le sujet de la chanson Elle et moi. Pendant longtemps, j’ai pensé que je ne pouvais pas être les deux à la fois.  Marie-Mai a fini par éclipser Bouchard. La seule perception que les gens ont de moi, c’est Marie-Mai. Et de ce vedettariat découlent un paquet d’affaires qui n’ont pas rapport. J’ai laissé trop de gens dire des fausses choses sur moi, ça n’arrivera plus.

Comme quoi?
J’ai lu que j’étais une diva. C’est pas vrai. Et je ne réagissais pas parce que Marie-Mai devait être au-dessus de ça. Si Bouchard avait des opinions, Marie-Mai ne les partageait pas pour éviter de se mettre une partie du public à dos. Mais je n’ai pas besoin d’être toujours une wonder-woman souriante et gentille. Un paquet de gens m’ont dit quoi faire ou quoi dire. Maintenant, je mets mon pied à terre. Je reviens des tournages de la série The Launch à Toronto, une série musicale sur CTV dans laquelle je suis juge. Je peux te garantir que les gens là-bas ont vu une fille qui s’assume et n’a pas peur de se commettre.

Est-ce pour ces raisons que tu as décidé de changer d’équipe de gérance et de maison de disque?
Prod J a vraiment été la meilleure équipe pour moi dans ces années-là. J’avais besoin d’une équipe qui pouvait pousser le bateau aussi vite que je le voulais. Oui, on a protégé mon discours. C’est normal, on contrôlait mon image, on voulait que ce soit big. La raison principale pour laquelle je suis partie est artistique. J’ai besoin d’avoir 20 personnes autour de la table pour mener mes projets à terme. Prod J n’avait plus les effectifs nécessaires. Pour ce qui est de Musicor, c’est plus épineux comme sujet. C’est pas évident parce que je sais que mon départ va avoir des conséquences médiatiques, mais j’assume. C’est ce que je voulais pour mon avancement personnel.

Tu veux dire qu’en quittant le giron Musicor qui appartient à Quebecor, tu ne profiteras plus de la convergence avec tous les autres médias de la maison mère?
Je ne veux pas commencer à chialer. Il y a bien pire dans la vie, mais ça reste la réalité. Aujourd’hui, les seules fois que le Journal de Montréal parle de moi, c’est pour rapporter certains de mes tweets. Ils savent que j’attire du clic. Mais je ne suis pas fâchée. Il y a d’autres portes qui s’ouvrent. Je vais faire Tout le monde en parle. Je fais The Launch (diffusion hiver 2019). Je refuse de laisser dicter mes choix en fonction des possibles répercussions médiatiques. Je dois sentir que mon cœur est à la bonne place.

C’est tout à ton honneur. Merci pour cette franchise.
Le mot d’ordre est transparence.


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Tout va bien pour l’auteure-compositrice-interprète Jessica Mitchell.

Quatre fois finaliste aux Canadian Country Music Association Awards (CCMA) et, lors de l’édition 2018 de ce gala, elle a chanté « No Fear », dans un medley des « hits » de Terri Clark, intronisée au Panthéon, en compagnie de Meghan Patrick, Suzy Bogguss et Clark elle-même. En 2017, elle a interprété « Only Love Can Break Your Heart » au Massey Hall dans le cadre de l’intronisation de Neil Young au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens.

Les amis de Mitchell : quelques-uns de ses collaborateurs

  • Tom Cochrane
  • Patricia Conroy
  • Todd Clark
  • Robyn Dell’Unto
  • John Goodwin
  • Tim Hicks
  • Stephen Kozmeniuk
  • Lindi Ortega
  • Meghan Patrick
  • Deric Ruttan
  • Gavin Slate
  • Dave Thomson
  • Matthew Tishler

Mitchell profite également des bénéfices des services de gérance de RGK Entertainment Group et de ceux de l’agence de spectacles The Feldman Agency. De plus, dans la foulée de sa participation au concours « It’s Your Shot » de Slaight Music, il y a cinq ans — et malgré le fait qu’elle ne l’ait pas gagné —, elle a conclu une entente d’édition. Et bien que Slaight soit généralement plutôt considéré comme un incubateur qu’un éditeur, l’organisation a engagé une personne pour présenter ses chansons à Nashville et plus de lui fournir beaucoup de soutien.

« Lorsque j’ai commencé à travailler avec eux, j’allais souvent à Nashville », explique Mitchell. « C’est pour ça que j’ai écrit autant de chansons, parce que j’étais là-bas aussi souvent… J’ai commencé mes collaborations à Toronto et c’est à ce moment que je me suis liée d’amitié avec Gavin [Slate] et Todd [Clark] et Stephen [Kozmeniuk] – le “crew” de Toronto qui sont tous à Nashville, maintenant ! Il a fallu beaucoup de temps, au moins quatre ans, avant que je filtre des centaines de collaborateurs pour trouver “mon monde”… C’est un groupe restreint… Mais cela dit, j’adore écrire avec de nouvelles personnes, j’essaie de continuer à le faire. »

Et qu’est-ce qui se trouve à la source de ce processus de co-création, pour elle ?

« Les conversations », confie-t-elle. « Les conversations sont si importantes. Si vous ne discutez pas avec votre collaborateur, à quoi bon ? C’est quelque chose de très personnel… »

« Je connais certaines de ces personnes vraiment très bien. Ça commence habituellement par “Salut, comment ça va ? Quoi de neuf ? Que se passe-t-il de bon dans ta vie ?” Et habituellement, une idée jaillira… Je ne suis pas comme beaucoup de gens, comme bien des créateurs, qui prennent des notes ou chantent un bout de mélodie dans leur téléphone. Lorsque j’ai une idée, je ne la lâche pas, et elle reviendra. Même si je l’oublie momentanément, je sais qu’elle reviendra, même chose pour les mélodies… »

« À Nashville, il faut écrire relativement rapidement. C’est un truc qui prend trois ou quatre heures : création, enregistrement, démo, “Merci, bonsoir”. Beaucoup de chansons sont créées très rapidement et les modifications, au besoin, viendront plus tard. »

Inspirée par l’honnêteté brute et la trame narrative de la musique country, Mitchell croit qu’au cœur de chaque œuvre musicale se trouvent la douleur et la perte. Elle a espoir que le fait de partager ces expériences personnelles lui permettra de créer un lien authentique avec son auditoire. Plusieurs de pièces sur son album Heart of Glass — dont notamment la pièce titre, « Don’t Love Me » et « Bulletproof » — traitent, du moins en partie, de gens que s’endurcissent afin de ne pas être blessés par l’amour.

Demeurer sain d’esprit en tournée

Mitchell est en plein cœur d’une longue tournée et nous offre quelques conseils pour survivre à la vie sur la route :

  • Prendre soin de soi. « Bien manger, je fais beaucoup de yoga. Même juste cinq minutes de tapis roulant chaque jour. »
  • Organisateurs de bagages. « Je viens juste de découvrir ces trucs ! Ils permettent d’organiser votre valise en petites sections. C’est important d’être bien organisé. »
  • Sommeil. « Beaucoup de sommeil. Et interdit de boire les jours de concerts. »

« Je crois que c’est la vie, ou une partie importante de la vie », poursuit Mitchell. « Il faut avoir la peau dure dans notre domaine, mais aussi dans nos relations et avec notre famille. J’ai passé une bonne partie de ma vie sur mes gardes. Et on dirait que chaque fois que je ne le suis pas, il se produit quelque chose de mauvais. Demeurer ouvert aux possibilités et aux choses positives est super important, mais je crois quand même qu’il faut être sur nos gardes de nos jours… »

Sauf si vous jouez pour Neil Young, auquel cas c’est surtout lui qu’on regarde.

« Je me sens qui si j’avais eu une expérience transcorporelle », dit-elle au sujet de sa prestation devant Young au Massey Hall. « On est sur scène, mais c’est quasiment comme être ailleurs dans la salle et de se regarder. Et de regarder Neil Young vous regarder. C’est sans doute le moment le plus cool de ma vie, à date… On monte sur scène et on se dit “Faut pas que je regarde. Faut pas que je regarde. Faut pas que je regarde.” Je l’ai cherché du regard et je ne l’ai plus quitté. Je crois que je n’ai regardé que lui durant toute ma prestation. C’était incroyable. Tout un “trip”. »


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