Pour résumer en quelques mots l’atmosphère musicale de la série Industry de HBO, son compositeur, Nathan Micay, propose « une musique pour faire pleurer les hommes », une expression inventée par les créateurs, scénaristes/directeurs de la série (et anciens banquiers en investissement), Konrad Kay et Mickey Down.
« C’est une musique très émotionnelle, au cœur sur la main, réalisée à l’aide de synthétiseurs », explique Micay. « J’essaie d’utiliser les synthétiseurs de la même façon que la majorité des gens essaieraient de composer pour un orchestre, ce qui permet en quelque sorte de se distinguer de la plupart des musiques à base de synthétiseurs.
« Dans la deuxième saison, ils m’ont permis d’utiliser plus d’éléments orchestraux, plusieurs flûtes sont présentes. La [troisième saison] est la première fois qu’ils m’ont vraiment permis d’utiliser les percussions et la batterie de manière significative. L’un de mes films préférés de tous les temps est l’animé Ikura, et, si vous avez regardé la troisième saison d’Industry, la batterie de la musique de ce film est une référence assez évidente ».
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Micay, ancien DJ électro/dance et musicien, dont les premières influences sont le bluegrass, le banjo et la musique country, a fait ses premiers pas en tant que compositeur de musique à l’image en 2016.
« C’était l’une de ces expériences où tout commence lentement, puis tout se passe d’un seul coup », explique-t-il. « J’ai été approché par un bon ami de Toronto, Alex Ordanis, qui avait participé à une production nommée aux Oscars. Par conséquent, il a décroché des subventions. Il est donc venu me voir et m’a dit : “Hé, nous faisons un court métrage à très petit budget, et un long métrage. C’est très peu payant, à très faible budget. Mais aimerais-tu en faire partie? ” J’ai répondu : « Absolument ! »
« C’était mon rêve. J’ai collaboré avec lui sur quatre projets en l’espace de deux ans. C’étaient mes premiers pas vers une meilleure compréhension du fonctionnement d’un rapport de contenu musical, et de l’ensemble du processus de travail. C’était la première fois que je collaborais avec une équipe complète. Comment gérer cinq opinions, alors qu’elles sont toutes différentes? J’ai travaillé avec des maisons de disques et, bien sûr, le département A&R a son avis sur la musique que vous produisez, mais c’est différent lorsque vous faites partie du projet de quelqu’un d’autre et que vous devez adhérer à leur vision ».
Industry suit de jeunes banquiers et opérateurs de marché ambitieux au lendemain de la crise financière de 2008. HBO a engagé Micay comme compositeur après lui avoir envoyé un courriel au début de l’année 2020.
« Je pense qu’on m’a engagé parce que j’avais toute cette expérience acquise grâce aux films indépendants canadiens », explique-t-il. « Ils semblaient déjà convaincus par la musique de mes albums, mais ils voulaient s’assurer que je comprenais le processus de travail et que je n’étais pas un DJ fou sur lequel ils allaient prendre un énorme risque. »
« Nous avons en quelque sorte une petite séance de thérapie de 10 minutes concernant les personnages »
Micay dispose d’environ deux semaines par épisode pour composer une musique originale et trouver des pistes et/ou des sons existants.
« J’ai travaillé sur des émissions de télévision pour lesquelles je dirais que la proportion est de 60/40 [pourcentage] entre la composition et la musique, 50/50 », explique-t-il. « Industry est unique, en ce sens qu’il y a beaucoup de composition, mais aussi pas mal de pistes déjà existantes. En fait, dans la troisième saison, certains épisodes ne contiennent que 30 % de compositions originales. L’une des caractéristiques d’Industry est que chaque saison comporte un épisode de Noël – la musique de Noël est donc très présente – et ces épisodes sont des tâches légères pour moi. J’ai travaillé sur d’autres émissions qui n’avaient pas du tout de musique préexistante, et qui étaient purement de la composition.
La composition et la recherche de musique préexistante commencent par l’analyse de l’ambiance qui règne dans chaque épisode. « Ainsi, si nous regardons une scène où nous avons manifestement besoin de musique, nous l’arrêtons et nous discutons du type de musique qui serait approprié », explique Micay. « Combien de temps? Passe-t-on de la joie à la tristesse? Qui sont ces personnages? Que ressentent-ils? Nous avons en quelque sorte une petite séance de thérapie de 10 minutes concernant les personnages. Ensuite, nous l’inscrivons sur ce que nous appelons un rapport de contenu musical. C’est d’abord un travail en cours, mais c’est finalement ce que nous soumettons à la SOCAN pour les redevances ».
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Mais le processus n’est jamais simple. Parfois, même après qu’on a bouclé un épisode, la création d’autres épisodes peut entraîner une refonte complète de ce qu’on a créé précédemment. Comme l’explique Micay, « cela peut arriver que, quatre mois plus tard, alors que nous en sommes au septième épisode, ils nous disent : “Vous savez, ce que vous avez fait pour le septième épisode est tellement bon, trouvez un moyen de l’appliquer au premier épisode”. Cela arrive souvent, parce que vous vous sentez de plus en plus à l’aise et de plus en plus impliqué dans l’univers sonore que vous créez, et que celui-ci s’améliore au fur et à mesure que vous progressez. »
Aujourd’hui, Micay a toujours autant de plaisir à créer pour Industry, tout en s’intéressant à de nouveaux projets à venir. Il a récemment signé une campagne publicitaire pour Ultimate Fighting Champion; un court métrage de la réalisatrice nommée aux Oscars Laura Checkoway, Alt Shift Life; le documentaire HBO Time Bomb Y2K; le long métrage Reality; et une nouvelle série de Paramount+, SexyBeast.
S’il a un conseil à donner à ceux qui veulent évoluer dans le métier, c’est celui-ci : laissez de côté la mentalité de solitaire. « Essayez de vous rappeler que tout le monde fait de son mieux », dit-il, « Vous faites partie d’une équipe et vous êtes un membre précieux de cette équipe ».