Meg Remy a récemment quitté l’amour de sa vie. Non, elle n’a pas quitté Max Turnbull, qui est toujours son mari et collaborateur dans son projet art-pop torontois baptisé U.S. Girls. Non, elle a quitté une muse qui faisait partie de sa conscience depuis son enfance, qu’elle a passée dans l’Illinois.

U.S. Girls, Meg Remy

Remy a été élevée dans une famille catholique, républicaine et conservatrice où la radio était toujours en arrière-plan. Bruce Springsteen était de loin son préféré parmi les artistes qui figuraient au Top 40 de l’époque, loin devant ses autres amours comme Billy Joel et Elton John. Même plus tard, lorsque Remy s’est tournée vers la musique punk durant l’adolescence et qu’elle remettait tout en question, Bruce est demeuré dans son cœur, car elle sentait qu’ils avaient toujours ce petit côté « underdog » en commun. Même à l’époque où U.S. Girls a vu le jour, un fouillis de « tape loops » et de pédales d’effets qui n’était pas sans rappeler Suicide, l’influent groupe rock électronique minimaliste, elle y a été d’un « cover » brutaliste d’un des premiers classiques du Boss, « Prove It All Night », qui figurait sur son premier album paru en 2008, Introducting… Depuis que U.S. Girls est passé d’un son noise/drone pas toujours facile d’approche à un son disco pop irrésistible sur les pistes de danse, on détecte plus facilement l’ADN du E Street dans les compositions cinématiques propulsées par un sax que l’on retrouve sur l’impressionnant album In a Poem Unlimited paru en 2018.

De nos jours toutefois, la capacité l’artiste de son art est un luxe que les mélomanes consciencieux n’ont plus envie de se payer, et bien que Springsteen soit loin d’une grave transgression à la R. Kelly, il n’en demeure pas moins que Meg Remy ne se sent plus à l’aise à son égard. « J’ai récemment été curieuse de savoir combien il valait », dit-elle en sirotant un café dans un resto de son quartier de l’ouest de la ville, « et ça n’est juste pas raisonnable. Personne n’a besoin de 4000 millions de dollars ! »

Bien entendu, Remy n’avait pas l’illusion que le héros de la classe ouvrière du rock n’était pas également une vedette ultra riche. Mais à notre époque où l’économie ressemble à un match de football américain où l’équipe dominante continue sans cesse et avec un malin plaisir à faire grimper le score en sa faveur, Remy trouve de plus en plus difficile d’applaudir même les artistes les mieux intentionnés comme le Boss. C’est pourquoi In a Poem Unlimited est un recueil de requiems pour les âmes défavorisées qui sont abandonnées au front avant d’être broyées par les impitoyables forces du patriarcat et du capitalisme avancé. Des requiems pour les femmes prises au piège dans une relation abusive, pour les travailleurs forcés d’inhaler des polluants dans leur travail d’usine au salaire ridicule, et pour les électeurs qui sont continuellement abandonnés par l’appareil politique de leur pays, même lorsque leur candidat est élu. À titre d’exemple, le premier extrait de l’album, digne des plus grosses « boules disco », intitulé « Mad as Hell », s’en prend au président américain, mais pas celui qu’on pense : sur cette pièce, Remy tente avec exaspération de réconcilier l’image de bon joueur de Barack Obama avec son nombre record d’attaques de drones.

Mais là où cet album est une mise en accusation de la vie moderne, In a Poem Unlimited est également le couronnement de la communauté musicale torontoise qui la soutient depuis une décennie. Après avoir roulé sa bosse à Chicago, Portland et Philadelphie, Remy s’est installée à Toronto en 2011 après avoir rencontré et être rapidement tombée en amour avec Max Turnbull qui, à l’époque, menait ses propres expériences avant/pop sous le pseudo de Slim Twig.

« Avec Max, je me sentais assez en confiance pour travailler avec lui et chanter devant lui, ce qui ne m’était jamais arrivé auparavant », explique-t-elle. « Mes premiers albums ont tous été enregistrés dans le rouge — je me disais que si le VU mètre est dans le rouge, c’est que ça marche ! Je pensais que les trucs que j’enregistrais étaient bien plus clairs qu’ils l’étaient vraiment, et que je les réécoute aujourd’hui, j’arrive à peine à croire que c’est sorti sur disque, et que les gens ont payé pour ça et aimé ça ! Max a le talent technique pour rendre mes idées plus claires. Il était à la fois mon ingénieur, mon “cheerleader” et mon traducteur, et c’est toujours le cas. »

Mais Remy a trouvé bien plus qu’un partenaire romantique et créatif en Turnbull. Elle a également été intégrée à son vaste et éclectique réseau d’amis musiciens dont font notamment partie l’évangéliste d’un retour à la power pop Michael Rault, le duo dance punk Ice Cream et l’obscur « beat maker » Mark Roberts (alias Louis Percival, alias Onakabazien). Tous ont contribué ou joué avec U.S. Girls tandis qu’elle passait d’un flash-back surréaliste de « girls group » des années 60 sur GEM (2012) au déconstructivisme dub du EP R&B Free Advice Column (2013), en passant par la chatoyante pop noire de Half Free (2015) qui a valu à Remy une place sur la courte liste du Prix de musique Polaris. Sur In a Poem Unlimited, Remy a ouvert la liste des invités à plus d’une vingtaine de collaborateurs, dont notamment The Cosmic Range, le groupe psyché-jazz torontois qui lui sert d’orchestre accompagnateur sur le disque. « Ils sont comme le Wrecking Crew », dit-elle pleine d’enthousiasme.

“Je préfère confondre les gens ou les surprendre plutôt que de les satisfaire.”

Et comme l’explique la tête dirigeante de Cosmic, Matthew « Doc » Dunn, le processus d’adaptation de l’esprit d’improvisation de son groupe au côté résolument auteurs de Remy s’est fait tout naturellement. « Je ne veux pas avoir l’air d’un trouduc prétentieux, mais nous sommes capables de jouer n’importe quel style de musique », dit-il en rigolant. « On peut faire du classique, du jazz, du funk, du country… on est capable de jouer “tight” lorsque c’est le temps. Mais la raison pour laquelle son disque est si bon, c’est que Meg est incroyablement bien organisée. C’est la personne la plus professionnelle avec qui j’ai jamais travaillé à ce niveau. Elle détesterait sans doute m’entendre dire ça, mais elle est réellement comme une réalisatrice au cinéma — elle est dans la salle de contrôle et nous dirige avec une main très légère. Le fait qu’elle ne sache entre guillemets “jouer” d’aucun instrument, mais qu’elle parvienne à faire tout ce qu’elle fait est d’autant plus impressionnant. »

Pour Remy, l’esprit communautaire de In a Poem Unlimited va au-delà des ressources humaines et est également dû au choix des chansons. Parmi les meilleures pièces du disque, on retrouve « Rage of Plastics, une réinterprétation d’un chant funèbre écrit par son amie Simone Schmidt, alias Fiver, au sujet d’une femme confrontée à sa propre infertilité due à son travail dans une raffinerie aux relents toxiques. C’est la seule reprise de l’album, mais c’est également la chanson qui illustre le mieux la vision de Remy : aborder de manière inattendue — pour l’auditeur — des sujets difficiles par le biais d’une pop très “glamour”.

“Cette chanson signifie tant pour moi, elle m’inspire et m’impressionne”, explique Remy. “L’arrangement original sur le disque de Fiver me parle beaucoup, car j’adore les chansons sombres et funestes et difficiles à avaler. Son message est un message que tout le monde doit entendre, et j’ai toujours voulu la reprendre dans le style de ‘Black Velvet’, un ‘hit’ que tout le monde aime. Je me disais qu’en la faisant à la ‘Black Velvet’, les gens seraient plus attentifs au propos et aux paroles !”

Et, jusqu’à maintenant, ce processus d’endoctrinement semble fonctionner. In a Poem Unlimited a récemment valu à Remy sa deuxième inclusion à la courte liste du Prix Polaris, et tout au long de l’année, les indices de son succès indie-rock sur le point d’exploser n’ont cessé de s’accumuler : engagements dans les plus gros festivals du monde, présence soutenue sur les radios par satellite, profil dans le magazine Rolling Stone, dans The New Yorker et — laissant Remy complètement incrédule — dans le Wall Street Journal. Mais pour autant que In a Poem Unlimited est la substantielle sculpture qui a toujours existé au cœur du mur de bruit que Remy utilise comme matériau brut depuis une décennie, il ne faudra pas se surprendre si la prochaine étape, pour l’artiste, est de tout détruire.

“Mon prochain album sera probablement totalement différent”, dit-elle. “Tout est une question de ne pas s’emmerder. C’est aussi mon petit côté punk de vouloir désorienter les gens – comme si je les mettais en garde de me mettre dans une boîte et de me tenir pour acquis. Je préfère confondre les gens ou les surprendre plutôt que de les satisfaire.”


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Ils ne sont pas les premiers à le clamer : la musique rassemble les gens. Avec ses rythmes électroniques et sa basse, Jean-François Lemieux a voulu tisser des liens avec ce qu’il ne connaissait pas encore et c’est ainsi qu’Afrikana Soul Sister a vu le jour. D’origine malienne, Djely Tapa pose sa voix sur les rythmes dansants alors que les percussions de Joannie Labelle et de Fa Cissokho donnent une dimension plus humaine à l’aspect « froid » des musiques d’ordinateur. Et la magie opère…

« J’ai toujours eu un intérêt pour la musique du monde en général », lance d’entrée de jeu Jean-François Lemieux, même s’il admet qu’il doit une bonne partie d’Afrikana Soul Sister au hasard. La musique électro est, selon lui, la musique qui permet de sortir de sa zone de confort le plus facilement. « Ce qui est simple avec l’électro, c’est qu’on fait des échantillonnages et on mélange des époques et des endroits, explique-t-il. J’ai fait un voyage au Maroc et je suis revenu avec de nombreuses idées. »

Une fois à Montréal, il a voulu faire un voyage en Afrique tout en restant chez lui. « Par l’entremise d’une amie, j’ai rencontré des musiciens africains et c’était parti », se rappelle Jean-François. Et même s’il perçoit la musique comme une business, il était néanmoins important pour lui de s’ouvrir à ce que les rythmes signifient ailleurs. « Ça fait 35 ans que je gagne ma vie dans le milieu, pour moi c’est une source de revenus, mais en Afrique, la musique a une vocation différente, elle a un rôle social d’abord et elle est même utilisée pour guérir, ou à des fins de rituels », note le musicien.

Il est donc primordial pour lui d’avoir l’approbation de la communauté africaine, il veut se faire expliquer le sens de ce qu’ils jouent en groupe. « C’était important pour moi d’avoir un échange, assure-t-il. Il faut que ce soit une rencontre entre leurs rythmes traditionnels et ce que je fais. Ils n’ont pas les mêmes codes que moi, c’est pourquoi j’ai choisi la house, car c’est la musique qui est la plus proche de leur son. » Cela fait d’ailleurs partie de leur façon de travailler : Jean-François laisse libre cours aux idées, et tout finit souvent en jam, mais il souhaite comprendre les messages a posteriori.

Pour Jean-François, Djely Tapa et Fa Cissokho ne sont pas que des musiciens. « C’est important d’aller au-delà de la création, car, en Afrique, les gens qui ont une aptitude pour la musique sont avant tout des gardiens de la tradition, des médiateurs sociaux, dit-il. C’est essentiel de toujours comprendre le code de l’autre quand tu joues de la musique. »

Rassembleurs, ils font de la musique non pas pour eux, mais pour faire plaisir aux gens. « On joue beaucoup dans les festivals l’été, des clubs, devant des gens de tous les âges, énumère le musicien. On veut faire un croisement entre le world et l’électronique », comme pour soumettre au public quelques bribes de culture en plein cœur d’une musique dansante.

C’est ainsi que le groupe s’adapte à toutes les foules : « On va faire un spectacle d’après-midi grand public et on va jouer dans un club le soir », énonce-t-il en précisant qu’un objectif commun au groupe est d’atteindre la scène d’un évènement comme le Piknic Électronik. « Dans la culture des DJs, il n’y a pas de musiciens ou de chanteurs sur scène, ce qui nous nuit, mais on aimerait démontrer que les frontières de la musique sont moins étanches que ça. »

La prochaine année devrait voir naître un nouvel EP pour le groupe qui a fait paraître son premier album homonyme en 2017. « On sent une vague d’intérêt pour les genres qui nous ressemblent, tout ce qui touche à l’électro africain comme Pierre Kwenders par exemple. Mais humblement, ce qu’on fait, je n’en ai pas entendu énormément », soutient Jean-François.

Avec Instagram le groupe commence à se faire des amis un peu partout et songe à aller jouer ailleurs quand les circonstances seront propices. « Il y a quand même un mouvement qui existe grâce à Samito, Ngabo et les autres, souligne-t-il. Mon but, c’est de mettre de l’avant l’aspect de communauté qui existe dans les racines de notre son. »

Une part d’impro et une part de gestes calculés qualifient les prestations d’Afrikana Soul Sister, ce qui donne une vibe festive à toutes leurs sorties. « Ce qui nous fait le plus plaisir, c’est quand des Africains viennent à nos spectacles, qu’ils dansent et qu’ils nous disent qu’ils aiment ça, dit Jean-François. Le reste, c’est pas important ! »


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Florence KC’est durant ses vacances depuis le sud de la France où elle rêvasse dans les calanques et les collines avec son amoureux, le musicien Ben Riley, et ses jeunes enfants, qu’elle a bien voulu nous parler d’Estrellas (Les étoiles) paru le 1er juin dernier. Comme une exaltation continuelle du bonheur et du mal de vivre, les neuf titres de ce disque mitonné avec le musicien cubain Alex Cuba démontrent sa capacité à surfer sur les événements, à résister aux intempéries.

« C’est sûr que mon disque précédent, Buena Vida en concert, était une suite en musique de ma biographie (publiée en 2015 chez Libre Expression) qui reflétait la partie la plus sombre de ma vie, tout ça était un peu lourd…»

Changement de vie personnelle à 35 ans, diagnostiquée bipolaire il y a six mois, changement de compagnie de disque (elle quitte Universal en licence et fonde Florence K Music), nouveau gérant, Andrew Turner, nouvel éditeur, Ad Litteram, puis un contrat d’animatrice à ICI Musique non renouvelé… et tout récemment promut à la barre de la nouvelle émission « C’est formidable! » sur CBC Radio 1 et 2, prenant ainsi la relève de Jim Corcoran dans sa mission de faire découvrir la musique francophone aux anglo-canadiens. Bref, Estrellas arrive comme un lever de soleil brumeux.

« Une fois que tu as le bon diagnostic, avec le traitement approprié, ça change vraiment beaucoup de choses, surtout au niveau de la concentration, explique Florence à propos de la bipolarité. C’est le jour et la nuit. C’est la preuve qu’il y a des solutions, des ressources, que c’est possible d’avoir une vie meilleure. Mais il y a un travail ardu de thérapie derrière ça. Estrellas, c’est un disque de printemps qui me fait penser à Here Comes The Sun des Beatles, façon de dire: OK, l’hiver est fini là! On sort la tête de l’eau et on recommence à vivre. C’est de la musique rafraîchissante, renchérit-elle, c’est comme ça que je l’ai conçu ».

« Je travaille avec (le logiciel) Garage Band ou (l’application) Voice Memo pour toute ma préproduction. Ça évite d’investir des sommes considérables avant celles consacrées au studio. Tu peux rajouter un passage de percussions, modifier les tempos, bref, ça me permet de travailler seule ».

Les six nouvelles compositions de la pianiste et compositrice sont chantées en espagnol ; trois de ces chansons ont leur version francophone. « Alex Cuba n’avait que quatre jours de congé, on a travaillé comme des fous, confie-t-elle en parlant du duo asymétrique. Être dirigée par lui m’a fait du bien. Faut pas toujours piloter seul, la perspective de l’autre est nécessaire, à moins d’être Mozart ! La musique cubaine c’est une rythmique qui peut être à la fois simple et complexe. Il y a quelque chose qui se passe entre les lignes de basse, les percussions, les couches harmoniques et mélodiques, tout ça s’emboîte parfaitement ».

Et elle se met à claquer des doigts au téléphone afin d’illustrer le tempo à voix haute: « un, deux, trois, quatre, un deux trois quatre… »

Une seule écoute d’Estrellas suffit pour s’en convaincre: l’élégance ne meurt jamais. Avec ce sens de la mélodie qui la rend instantanément attachante, avec sa large palette d’émotions bricolée avec le cœur, ses arrangements ciselés avec minutie, portée par des mélodies langoureuses, c’est l’évidence: elle n’a pas épuisé les ressources du style qu’elle a façonné depuis ses débuts en 2005.

Comme un bain collectif où ses frissons, ses voluptés et ses extases s’entremêlent, Florence K fait son miel de tout.  Elle entreprend un état des lieux, la langue participe à l’élan, laissant battre à vif le cœur des compositions, chaque morceau est intimement lié à un sentiment. « La musique offre du rêve. On a tous besoin de cette soupape pour rêver, pour être emportés, sinon, on craque! On craque! »

Récemment, elle prenait position sur l’industrie de la musique, les redevances, le streaming, cette fois, elle en rajoute: « Ça fait 20 ans qu’on leur offre (aux internautes) la musique sur un plateau d’argent. Il y a des gens qui pensent que c’est acquis comme l’eau et l’air et tant mieux parce que ça redonne une place à la musique, et dans cet esprit, je ne veux pas que la musique ne soit plus accessible gratuitement au public, mais il y aurait dû y avoir une entente claire il y a quinze ans entre les gouvernements, les intermédiaires, etc. Les plates-formes de streaming et les câblodistributeurs doivent réaliser que la musique a un prix, il faut prendre conscience de la valeur de la musique. Ça coûte cher en faire. Les artistes ne sont pas juste des gratteux de guitare, c’est un métier, une profession. »

Florence K en spectacle.


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