Photo par Yann Jobin

Helena Deland : Chants et Chuchotements

Article par Philippe Renaud | mercredi 21 mars 2018

Helena Deland

Photo : Alex Huard

« Les chansons qu’écrivent les musiciens ne sont pas représentatives de toutes les humeurs qui les habitent, prévient l’auteure, compositrice et interprète Helena Deland. Mais, c’est vrai que les miennes se prêtent bien à la tristesse ». Pas aujourd’hui, en tous cas : attrapée en cette journée de ciel « full beau » à Austin au Texas où la musicienne a donné cinq concerts en autant de jours pour le festival South by South West, c’est le sourire dans la voix qu’elle nous raconte l’histoire derrière son excellent mini-album From the Series of Songs « Altogether Unaccompanied » Vol. I & II, paru début mars.

Il s’agit de sa première grande vitrine professionnelle internationale, la première fois qu’elle tourne avec ses trois musiciens à l’extérieur du Canada. Et Helena Deland en profite au max. « C’est drôle parce qu’on se fait mettre en garde à propos du South by South West de tellement de manières, mais franchement, it lives up to its expectations ! », balance-t-elle dans sa langue maternelle.

Langue maternelle au sens propre, si vous voulez : maman est d’origine irlandaise, papa du Québec, Helena Deland a grandi dans les deux langues qu’elle maîtrise avec une égale aisance, ça s’entend dans ses chansons, composées en anglais. « Avant d’enregistrer quoi que ce soit, j’écrivais mes textes en français, raconte-t-elle avec cet accent franc de la capitale nationale. Je les aime encore, mais il me semble que c’est plus facile pour moi [d’écrire en anglais], ça va avec ma culture musicale personnelle. Y’a aussi quelque chose de séduisant à écrire en anglais, à cause de son rythme inhérent. Ça coule mieux. »

Elle a quitté Québec pour Montréal il y a cinq ou six ans dans le but de poursuivre ses études littéraires à l’UQAM. Helena traînait alors dans ses bagages quelques chansons « mais ce n’était pas très assumé. C’est un concours de circonstances qui a fait en sorte que je rencontre Jessie » Mac Cormack, qui a réalisé son premier mini-album, Drawing Room, paru à l’été 2016. « J’avais envie d’enregistrer mes chansons, mais je ne pensais pas faire carrière, je n’avais aucune expérience en studio. D’ailleurs, je ne donnais pas vraiment de spectacles non plus. C’est allé de fil en aiguille. C’était beaucoup de nouveauté. »

Prometteur, ce premier EP révèle la voix feutrée et le fort joli timbre d’Helena Deland, cependant trempé dans l’univers distinct de Mac Cormack, fait de folk planant, de guitares électriques ondulatoires, de quête de l’intime à travers la prise de son. La formule a fait mouche et a vite attiré l’attention des producteurs.

Paru sur la nouvelle étiquette new-yorkaise Luminelle, From the Series of Songs « Altogether Unaccompanied » Vol. I & II, lui aussi réalisé par le Montréalais, voit la jeune musicienne s’affranchir de son réalisateur, alors que sa personnalité s’exprime avec une plus grande clarté dans des chansons qui s’éloignent des clichés folk contemporains pour embrasser des grooves plus minimalistes.

« Notre relation était complètement différente, explique Deland. J’étais toujours présente en studio, j’ai pris plus de temps pour faire ce mini-album – notre relation est parfois devenue plus conflictuelle même, puisque nous sommes tous deux très têtus et on a l’impression de savoir ce qui serait le mieux, chacun de notre côté. Ça a été un travail de collaboration plus serré; Jessie a les capacités techniques de faire n’importe quoi en studio, et maintenant que je sais ce que je veux, il me donne l’occasion le concrétiser. »

Le style Deland touche à l’intime, « dans le personnel, l’échange d’une personne à l’autre, estime-t-elle. Souvent, je chante les choses qui sont non dites dans mes relations avec des gens qui me sont proches. J’ai souvent utilisé la composition pour ventiler et m’aider à comprendre des situations interpersonnelles. »

Son téléphone intelligent déborde de petites idées musicales enregistrées à la sauvette. « Je collectionne des phrases chantées, puis certaines me donnent envie de les retravailler. Des fois, ça donne des chansons. Des fois, rien du tout. Souvent, je pars juste d’une idée, une phrase; ensuite, le gros du travail sera d’y trouver des accords, une mélodie, puis le texte. C’est l’idée première, la phrase chantonnée dans mon téléphone, qui m’inspire ensuite la mélodie et le texte. Quand ça marche, ça va tout seul, le processus de création se fait de manière presque ésotérique. Comme si la chanson naissait, simplement parce que ça devait arriver ».

« J’ai toujours été impressionnée par des structures de chansons originales », l’un des traits les plus captivants de son style d’écriture, qui semble posséder son propre rythme, une façon si naturelle et dynamique d’enchaîner le couplet au refrain. « Aussi, je lis beaucoup de fiction, ça m’aide à écrire. Ce qui me fascine, c’est l’élément de surprise au niveau des textes. Quand je me penche sur un texte et que ça m’étonne. »

Comme ceux de la Néo-Zélandaise Hollie Fullbrook, alias Tiny Ruins. « Avant-hier, complètement par hasard, j’ai abouti au concert qu’elle donnait à Austin, raconte Helena. Dans la salle, seulement une dizaine de personnes – dont cinq penchées sur leurs téléphones intelligents, comme tout professionnel de l’industrie… Après le concert, je suis allé lui parler, et forcément, j’ai pleuré. Elle m’a beaucoup influencé, surtout au moment d’enregistrer le premier EP, j’étais très émue de la rencontrer. »

Photo par Jimmi Francoeur

Rémi Chassé : Déplomber son rock

Article par Stéfane Campbell | mardi 27 mars 2018

Imprégné d’une fibre pop-punk qui l’a contaminé durant son adolescence beauceronne et porté par un mélange d’assurance et de vertige qui le maintient droit sur le fil, Rémi Chassé nous balance Les cris et les fleurs (Musicor) en pleine gueule.

Rémi Chassé Du haut de ses 32 ans, l’auteur-compositeur-interprète se lance sans filet : « Avec le deuxième album, je voulais qu’on soit plus challengés sur le son, et je cherchais des réalisateurs qui se prêtaient bien au rock. Sans perdre de vue notre twist plus punk et pop aussi. Au Québec, le rock, dans le mainstream, c’est assez limité quand même, Éric Lapointe, ça ne me parle pas vraiment ; le rock à la Galaxie, que je trouve ça super cool, c’est pas ce que je fais non plus… »

C’est donc sous les conseils de Guillaume Beauregard – coréalisateur du premier gravé, Debout dans l’ombre, paru en 2015 – que Chassé s’est tourné vers Gus Van Go (The Stills, Sam Roberts, Vulgaires Machins), pour pondre un album enregistré entre Montréal et Brooklyn, s’armant d’une attitude frondeuse où la pop claque et le rock fait un doigt d’honneur aux partisans du statu quo.

Si de l’aveu du principal intéressé, le premier album a été bien fait, mais de façon hâtive, pour surfer sur le momentum engendré par son passage en finale de La Voix, le processus de création, cette fois-ci, fut plus souple : « J’ai pris plus de temps pour écrire et réfléchir à ce que je voulais faire. Le premier, ç’a été dix tounes, vite fait, bien fait. Mais j’avais pas encore complètement assumé ma signature d’auteur-compositeur-interprète franco. Là, ça donne un rock plus concis, sans perdre mon côté emo/introspectif qui est encore dans plusieurs chansons. On dirait que j’écris juste des chansons quand je sens une lourdeur, une profondeur qui est là. J’ai aussi été vers des sujets plus politiques, ce qui est très nouveau pour moi, mais on est tellement à une époque absurde en ce moment. »

En témoignent les titres Contre qui, Le monde est à plaindre ou encore L’ombre d’un remord qui, respectivement, posent la loupe sur les travers et fléaux ancrés et/ou systémiques qui contaminent notre époque.

Et si Guillaume Beauregard n’est plus impliqué sur le plan de la réalisation, il demeure un complice de choix pour Chassé, ayant repassé les textes au peigne fin à ses côtés: « Je suis un immense fan de Vulgaires Machins. Quand Guillaume n’aime pas quelque chose, il ne se gêne pas pour le dire et quand il aime, ça veut dire beaucoup pour moi. »

Il a aussi fait appel à Gaële qui l’a aidé à peaufiner le tout. « Même si c’est un travail de band, le texte est beaucoup sur mes épaules et ça m’a fait le plus grand bien d’échanger avec elle »

Si la nomenclature rock semble habiter le propos de l’artiste, de quoi en retourne-t-il plus précisément?

« En fait, je pense qu’on a vraiment un bon album entre les mains. Sans prétention, je pense qu’on arrive avec un certain vent de fraicheur au Québec. Tu sais, ici, en ‘musique populaire’, on a souvent l’impression que le rock c’est deux choses : d’un côté, les tattoos, les danseuses pis les bicyc’; de l’autre, le stoner champ gauche et ses dérivés. Je pense qu’on offre une option rock franche, qui peut être grand public sans tomber dans les gros clichés du genre. »

Celui qui a grandi aux consonances des Green Day, Pennywise, Lagwagon, Millencolin, Dashboard Confessionnal et la cohorte issue d’un punk des années 90, fait écho à ses influences sur plusieurs points : commercialement rentable, accessible au dénominateur commun et truffé de mélodies aussi accrocheuses que coup de poing.

Manifestement, l’ancien leader du groupe Tailor Made Fable et chanteur de formation pour des fêtes corporatives est fin prêt à se faire entendre. Brut, gonflé à bloc, avec un flegme de rockeur qui n’est pas sans charmer. « Ça fait un certain temps que je suis isolé en création, j’ai hâte de sortir pis de jouer live devant les gens. Et j’aurai atteint mon but si, tranquillement, on pense à Rémi Chassé quand on pense rock francophone. »

Tenez-vous-le pour dit

The Beaches : le retour du Rock n’ Roll

Article par Perry Stern | lundi 19 mars 2018

Pour vraiment comprendre à quel point The Beaches est un groupe spécial, il faut l’entendre avant de le voir. Son exécution est intense, précise et intelligente. Sa musique ne ressemble à à peu près aucun de ses contemporains. Il nous rappelle l’époque où les groupes rock s’efforçaient d’être intelligents et pas seulement cool. Il propose un mélange de glam rock de première et deuxième génération, à la fois T-Rex et The Strokes. Il est donc plutôt surprenant de découvrir qu’il est composé de quatre jeunes femmes de Toronto dont aucune n’a plus de 23 ans.

Malgré leur jeune âge, les membres du quatuor torontois ont déjà effectué une tournée au Royaume-Uni, joué à Osheaga et Wayhome, et choisi personnellement par Death From Above pour assurer la première partie de leur tournée nord-américaine de 27 spectacles à l’automne 2017. Elles ont récemment reçu leur toute première nomination en carrière dans la catégorie Découverte de l’année aux JUNOs 2018. Après avoir lancé deux EP, The Beaches lançait en octobre 2017 leur tout premier album, Late Show, réalisé par

LES CONSEILS CRÉATIFS DE JORDAN MILLER

  1. « Ne vous découragez pas lorsque vous bloquez. Ne forcez pas une idée à fonctionner. Si vous avez une bonne idée pour un couple ou un refrain, mais que, pour une raison ou une autre, vous n’arrivez pas à la mener à bon port, mettez-la dans votre poche arrière et revenez-y plus tard. C’est vrai pour toutes les chansons que vous écrirez. J’ai dû écrire 50 ou 60 chansons au cours des deux dernières années, et bon nombre d’entre elles sont soit trop pop, trop tristes ou trop joyeuses pour figurer sur un album, mais il ne faut jamais complètement abandonner une idée. Si vous bloquez une journée, revenez-y plus tard, écoutez ; peut-être que vous trouverez des parties de la chanson que vous aimez vraiment. »
  2. « Soyez ouverts aux collaborations. J’ai de la difficulté à finir ce que je commence, c’est pour ça que c’est génial d’être dans un groupe. Lorsque je me sens paresseuse ou que j’ai envie d’abandonner une idée, elles sont toujours là pour m’aider. D’autres fois, l’une d’entre nous a une idée qui inspire les autres et on la travaille toutes ensemble. Je sais que c’est parfois difficile de travailler avec d’autres gens. La simple idée de partager vos expériences ; surtout lorsque vous écrivez sur des sujets personnels, ç peut paraître difficile de partager ces détails intimes de votre vie avec quelqu’un d’autre. Mais certaines de mes meilleures chansons sont issues d’une collaboration ou d’une conversation avec quelqu’un, du fait d’avoir partagé une histoire avec eux et d’utiliser leur point de vue pour créer quelque chose ensemble. »
  3. « Changez toujours votre perspective sur la création d’une chanson. Pendant sept ans, je n’ai jamais écrit au sujet de mes expériences personnelles. J’écrivais à partir d’histoires que je m’étais inventées. Lorsque j’ai changé mon approche de l’écriture et que j’ai commencé à y inclure des expériences personnelles, mon écriture a acquis beaucoup de maturité. J’encourage les gens à se mettre au défi de la sorte. »

Jimmy Shaw et Emily Haines — qui a salué le groupe dans une entrevue accordée au Globe and Mail — tous deux du groupe Metric, cinq fois couronné aux JUNOs. Elles sont actuellement finalistes dans la catégorie Découverte de l’année aux JUNOs 2018, et font beaucoup de vagues avec leur très récente ré-interprétation du classique de Loverboy, « Turn Me Loose ».

La décennie que la plupart d’entre elles ont passé à jouer ensemble est évidente dans la confiance qu’elles dégagent sur scène. « On entend souvent dire que le rock n’ roll est mort », dit la bassiste Jordan Miller, « mais ça nous choque quand on entend ça. On a grandi entourées de gens qui aiment le rock classique, qui aiment entendre de vrais instruments et qui aiment aller de voir des shows rock complètements ous. »

Quant aux genres et groupes cités plus haut, Jordan affirme que « nous voulions vraiment que cet album sonne comme ça, parce que ce sont tous des groupes et des artistes qui nous inspirent en tant que musiciennes et auteures-compositrices. Nous voulions nous assurer que notre album aurait une sonorité claire et cohérente qui fait référence à ces groupes et à ces époques. »

Les sœurs Jordan (basse, voix) et Kylie Miller (guitare), Eliza Enman-McDaniel (batterie) et Megan Fitchett (guitare) faisaient auparavant partie d’un groupe beaucoup plus pop appelé Done with Dolls sous contrat avec Disney en 2010. Puis, en 2014, Fitchett a quitté le groupe et Leandra Earl (claviers, guitare) est arrivée, en même temps qu’un changement de nom.

Jordan se dit heureuse de la croissance en tant qu’auteure-compositrice qu’elle a acquise grâce à l’expérience d’une entente de développement qu’elles avaient avec Universal Music. « On nous a envoyées à Los Angeles à quelques reprises pour des séances d’écriture avec plein de collaborateurs différents, et nous en sommes ressorties avec une soixantaine de chansons », raconte-t-elle. « Certaines des chansons de l’album qui ont été écrites en collaboration avec des gens comme [le réalisateur] Jackknife Lee et [l’auteure-compositrice] Nicole Morier sont des chansons écrites là-bas et ramenées à Toronto. » Néanmoins, la vaste majorité des pièces sur Late Show ont été écrites par le groupe.

C’est après avoir vu le documentaire Amy sur la vie tragique de la géniale auteure-compositrice-interprète Amy Winehouse que la création musicale a changée pour Jordan, qui est désormais la principale parolière du groupe.

« Ç’a été un processus difficile pour moi d’effectuer ce changement », confie-t-elle. « J’ai toujours trouvé plus facile de partir de mon imaginaire et de créer des chansons où mon expérience personnelle n’avait rien à voir. Lorsque j’ai vu ce documentaire, j’ai réalisé à quel point ses paroles étaient rock n’ roll et comment ma mère, ma sœur et moi pouvions nous identifier à son expérience et à sa musique, bien que nous sommes loin d’avoir vécu tout ce qu’elle a vécu. Il y a quelque chose dans son histoire que nous pouvons tous ressentir. Ç’a changé la manière dont je voulais écrire des chansons, parce que maintenant je veux faire de la musique accessible et qui touche les gens. »