ElisapieS’enraciner et se déraciner à plusieurs reprises. N’être à la maison, véritablement qu’à l’intérieur de soi, montrer sa conception du monde à l’autre pour accéder à la liberté. Tout ceci et bien plus d’intentions se mêlent dans la tête d’Elisapie qui nous présente ces jours-ci le récit de sa fuite: The Ballad of the Runaway Girl.

« Dans le Grand Nord, on apprécie plus vite », me dit Elisapie, sereine. Six ans après Travelling Love, elle revient avec un opus qui sonne comme un grand cri d’amour qui se répercute comme il le peut sur ceux qui le méritent. « J’avais un nouveau vécu qui devait s’extérioriser. Ce ne sont pas des grandes aventure, mais un vécu intérieur », affirme-t-elle. Après vingt ans à vivre au «sud» et ne retourner dans le nord qu’à l’occasion, Elisapie sent que son environnement s’est fondu en elle. Et si les liens d’appartenances aux endroits nous forgent, elle avait un désir profond de renouer avec le territoire qui l’a vue naître. « Quand je retourne dans le nord pour faire des shows, je me sens comme un enfant bercé par sa maman », confie Elisapie.

La musique de l’artiste s’écoute partout et se comprend comme on veut la comprendre, mais une chose est certaine, elle est teintée de mille impressions liées au lieu. « Dans le Nord, la notion du temps et la notion de notre corps sont différentes. C’est vaste, précise-t-elle. Je viens de revenir de là-bas et c’était la toundra de fin d’été: jaune avec une seule sorte de vert. Et à Montréal, maintenant, je ne vois que des lignes, des cloisons. Les rues, les artères, les bâtiments, toutes les verdures aux teintes différentes. Impossible de retrouver l’aspect méditatif de l’immensité. J’y suis retournée souvent, récemment parce que c’était plus fort que les mots d’un psy. »

La runaway girl retrace sur son album la route qui l’a construite, puis elle salue tous ceux qui ont été là et ceux qui auraient dû y être. « J’ai toujours fui des problèmes pour pouvoir peindre quelque chose de beau ailleurs. J’avais tout le temps besoin de protéger mon petit monde, mais ça fait pas longtemps que je me donne le droit de passer à autre chose. »

Les défis relevés ensemble

Les communautés autochtones du Canada sont enfin au centre des préoccupations politiques aujourd’hui et Elisapie le dit haut et fort: il ne faut pas que ça cesse. Née d’une mère autochtone et d’un père terre-neuvien, elle a été donnée en adoption à des parents du Grand-Nord. « C’est vrai qu’on a vécu des choses extrêmement difficiles, mais les gens pensent toujours que les autochtones sont des victimes, mais allez les voir en 2018. Vous verrez la fierté d’un peuple qui travaille tellement fort. Le territoire, la langue, les enjeux sont encore bien là, mais les tambours reviennent. Les jeunes des premières nations réapprennent à les utiliser de façon cérémoniale. Ça va être fort comme guérison. On a de plus en plus l’impression qu’on nous entend et je sentais qu’il fallait que je parle aux gens de chez moi dans une langue qu’ils connaissent. Il fallait que je fasse encore de la musique. »

Sur la première pièce, Arnaq, Elisapie rend hommage aux femmes et aux filles autochtones disparues ou assassinées au Canada. Les paroles nous percutent dès lors, puis on frissonne jusqu’à la fin de l’album: You’re a man, you’re a young boy / You’re a father, you’re a grandfather / No, don’t do it / You’re the protector. À travers ces mots, Elisapie rappelle à l’homme qu’il est extraordinaire. « Je lui dit qu’il est l’équilibre dans la cause des femmes. Dans notre histoire, la femme a toujours été auprès de la famille pour lui porter des soins alors que l’homme a eu le devoir de chasse et de comprendre le territoire tout en respectant les rites. Avec la fin de ce rôle qui était au cœur de qui ils étaient, les hommes ont perdu une partie d’eux-mêmes. Je veux qu’ils sachent qu’il est possible pour eux de garder cette force en ayant la douceur de l’homme moderne. »

La musique écrite par l’un de ses oncles a commencé à résonner fort en elle tout d’un coup. C’est pourquoi elle reprend sa chanson Quanniugum, une chanson des années 70. « À un moment, j’allais tellement mal que je ne tolérais aucune pression, tout me faisait peur, les larmes ont coulé sur sa musique. Je me suis bien vidée », se remémore-t-elle. Wolves Don’t Live by the Rules, morceau emblématique de la culture inuit écrite par Willie Trasher, une grande inspiration, figure également parmi les reprises. « Le son qu’on entend sur le disque s’insère le plus possible dans cette idée de fondation, explique Elisapie. Tout ou presque est enregistré live, ensemble. L’essentiel, c’est le togetherness. »

Une équipe qui se façonne

C’est après un spectacle qu’Elisapie a dit un « allô » anodin à Joe Grass, croisé dans les coulisses. « Quand tu rencontres quelqu’un comme ça, t’as envie de savoir ce qu’il sait faire, avoue Elisapie. J’ai fait mes recherches. Et pour le nouvel album je voulais avoir un gars qui prend sa guitare et que « c’est ça », that’s it. J’ai eu le même feeling avec lui que j’ai déjà eu avec Patrick Watson par exemple. Il se trouve très près du folk, du bluegrass, du blues et il y a quelque chose de vintage dans son son. C’était lui qu’il me fallait. »

Elle l’a appelé pour l’album et il a dit oui presque tout de suite. « Puis, j’avais l’idée de voir deux guitares qui pouvaient danser ensemble, se compléter. Joe Grass m’a dit qu’il ne danserait pas avec n’importe qui, se souvient-elle en riant. Il a choisi Nicolas Basque. Puis Robbie Kruster, un complice de longue date d’Elisapie s’est joint à eux pour la batterie. Paul Evans est venu ajouter sa touche magique comme ingénieur de son. « Il travaille en Islande et il est fort sur la musique intello ou classique, mais il ajoute un aspect moderne », explique Elisapie. Joe Jarmush (SUUNS) a coécrit Darkness Bring the Light avec elle. « Je voulais quelque chose qui sonnait gospel et on s’est assis ensemble pour en parler. Une heure plus tard on avait enregistré la chanson sur nos iPhone. » Elisapie a construit une famille solide autour de The Ballad of The Runaway Girl, dont Gabriel Gratton, Leif Vollebekk et Manuel Gasse font également partie.

Après un chemin doux et dur à la fois, on arrive à la fin de l’histoire avec une pièce en français. « On a voulu faire un voyage avec l’album, je pense, et avec Ton vieux nom, on atterri en douceur », image Elisapie. Certes, écrire une pièce en français n’est pas chose facile pour elle. « J’ai un rapport avec les francophones qui est spécial. C’est une fenêtre sur la suite de ma vie, car je vis parmi les francophones. » Alors que son interprétation marquante de Moi Elsie, écrite par Richard Desjardins, est vite devenue un incontournable de la chanson, elle craignait de se tromper en chantant en français à nouveau. « Je voulais aborder le nord de façon poétique d’une façon différente que sur Moi Elsie. Au lieu d’être la petite fille qui voit son mec blanc la quitter en emportant ses rêves, je voulais qu’on parle d’une femme qui a du vécu et qui parle à son homme Inuk qu’elle a laissé dans le nord. Les gens pensent à tort que les hommes Inuk sont durs, mais quand ils aiment, se sont eux les plus sensibles. »

Chloé Lacasse et Natasha Kanapé-Fontaine on prêté main-forte à l’auteure-compositrice-interprète afin que la pièce soit à la hauteur de ce qu’elle envisageait, puis, la poésie se fait transcendante, évidemment: Dis-moi comment tu plantais la neige / Comment nous sommes faits de pierre / Je veux t’écrire une chanson / Pour te rappeler ton nom / Ton vieux nom.

L’album paraîtra ce vendredi 14 septembre chez Bonsound et Yontanka (Europe).
Elisapie commencera une tournée de près de 50 spectacles dès ce mois-ci partout au Québec et dans le reste du Canada.


Laissez un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *


La musique coule à flots sur l’Île du Cap-Breton.

Malgré une modeste population de 132 000 résidents, l’extrémité nord-est de la Nouvelle-Écosse, d’une superficie de 10 311 km2, est la terre natale de bon nombre d’artistes nommés MacMaster, Rankin ou encore Sampson dont l’impact sur les auditeurs dépasse largement ses frontières.

Les musiciens issus de l’Île sont principalement reconnus pour leur musique celtique, folk et trad dont les racines remontent des centaines d’années jusqu’à leurs origines en Écosse, en Irlande et en France. Ces racines sont honorées par des ambassadeurs culturels tels The Barra MacNeils, The Rankins et Natalie MacMaster dans le cadre de rassemblements comme le Celtic Colours International Festival, Gaelic College Ceilidhs (fêtes de cuisine) et l’Acoustic Roots Festival.

L’actuelle génération de ces familles musicales bien établies élargit ses horizons et explore de nouveaux genres, que l’on pense au rock indé du groupe Alvvays, désormais installé à Toronto et dont la leader est l’ex-violoneuse des Rankins, Molly Rankin, ou encore au trio pop Port Cities dont l’un des membres est Dylan Guthro, le fils du célèbre artiste folk Bruce Guthro. Ces derniers temps, le hip-hop aussi prend sa place avec des rappeurs comme Mitchell Bailey de Glace Bay et SHIFT FROM THE 902, alias Todd Googoo d’Eskasoni qui sont venus ajouter leurs voix à la chorale.

The Barra MacNeils

The Barra MacNeils

« Il doit sûrement y avoir quelque chose dans l’eau », rigole l’auteur-compositeur professionnel Gordie Sampson, lauréat de prix SOCAN, JUNO et Grammy connu surtout pour être le coauteur de deux des plus gros « hits » de Carrie Underwood, « Jesus, Take the Wheel » et « Just a Dream ». « C’est indéniable, à la lumière de la proportion de musiciens qui en sont issus par rapport à la taille de la population. Le simple fait de faire carrière en musique — que vous soyez auteur-compositeur, musicien, violoneux ou chanteur — vous place en haute estime dans cette communauté. C’est vu comme une vocation noble. »

Il y a de nombreuses raisons pour lesquelles le Cap-Breton est un terreau fertile pour tant de musiciens réputés – du légendaire John Allan Cameron, de Glencoe Station, à Matt Minglewood, de North Sydney, dans les années 60 et 70, en passant par le génial violonneux Ashley MacIsaac, de Creignish, les chanteurs John Gracie et Aselin Debison, de Glace Bay, ainsi que The Beaton Family et The Rankins (collectivement et individuellement), de Mabou.

La principale de ces raisons est, tout simplement, l’héritage de cette musique apportée par les colons Français, Écossais et Irlandais à l’époque coloniale, au 18e siècle et que ces insulaires ont précieusement conservé.

« Cette musique est populaire parce qu’elle est une quasi-nécessité à la survie des insulaires », ajoute la sensationnelle violoneuse Natalie MacMaster, de Troy, nièce d’une légende du même instrument, Buddy MacMaster, de Judique. « Les colons écossais sont arrivés en ce lieu qu’ils ne connaissaient pas et cette musique était une expression de leur joie et un lien avec leurs origines. »

« Cette musique tant aimée a pris racine au Cap-Breton et s’est rapidement répandue partout sur le territoire. Cette musique centrée sur le style de violon cap-Bretonnais a également trouvé sa place dans d’autres bassins culturels. Un peu comme les Français, quelques Irlandais et même des gens des Premières Nations qui ont créé différents dialectes à différents endroits sur l’Île. Aujourd’hui, 250 ans plus tard, je crois que les gens sont simplement animés par cette musique et c’est elle qui nourrit leurs âmes. »

Selon Heather Rankin, il ne faut pas ignorer le rôle que joue la solitude dans l’évolution de la musique du Cap-Breton. « Je pense que c’est en partie attribuable au fait que le Cap-Breton a longtemps été isolé », croit-elle. « Nous n’étions pas vraiment accessibles jusque dans les années 50, lorsqu’ils ont construit la chaussée de Canso. »

« Les artistes du Cap-Breton sont de redoutables conteurs. Ils savent comment écrire des chansons qui touchent et font vibrer les gens. » — Sheri Jones de Jones & Co. Artist Management

Rankin croit également que la musique est devenue si importante du fait qu’il n’y avait pas grand-chose d’autre à faire. « Bien des gens avaient accès à des théâtres, des bars et des restaurants », raconte-t-elle. « Nous n’avions rien de tout cela dans notre jeunesse. Je crois que c’est en partie attribuable a ces petites communautés et à la manière dont les gens se divertissaient entre eux pendant de nombreuses générations. Même dans les années 70, le Cap-Breton était un endroit très tranquille… Même pour les jeunes d’aujourd’hui… On demeure un endroit assez isolé où il n’y a pas tant à faire pour se changer les idées, malgré les nouvelles technologies. »

Carleton Stone du groupe Port Cities est d’accord avec l’analyse de Rankin. « La tradition des conteurs et des auteurs-compositeurs-interprètes y est très forte et on est relativement isolés », explique Stone, qui partage la scène avec ses collègues Breagh MacKinnon et Dylan Guthro. « L’hiver est long et les gens disposent de beaucoup de temps pour se réunir et jouer de la musique ensemble. »

Port Cities

Port Cities

Guthro poursuit : « il n’y a pas grand-chose à faire d’autre que de se réunir et “jammer”. Le Cap-Breton est célèbre pour ses fêtes de cuisines où tout le monde sort son instrument et joue. Je n’ai aucun doute que ça contribue au degré de talent. »

Selon Gordie Sampson, qui est originaire de la même bourgade que Rita MacNeil — Big Pond, population: 47 —, l’autre facteur qui contribue au degré de talent des musiciens de l’Île est un auditoire très exigeant. Sampson, désormais établi à Nashville, revient une fois l’an pour y tenir son Gordie Sampson Song Camp où, d’ailleurs, se sont rencontrés les membres de Port Cities.

« L’auditoire peut être sans pitié, dans la mesure où il vous faut réellement le faire vibrer », affirme-t-il. « Les gens ne vont pas vous applaudir simplement parce que vous êtes sur scène… Lorsqu’on fait ses armes dans cette communauté ; impossible de jouer la comédie ou d’être sur le pilote automatique. Ça force tout le monde à travailler un peu plus fort. »

Les musiciens du Cap-Breton arrivent à tirer leur épingle du jeu dans une région canadienne généralement reconnue comme étant défavorisée — en avril 2018, le Cape Breton Post rapportait que la Nouvelle-Écosse reçoit toujours 1 838 milliards  $ en paiements de péréquation, dont 15 millions  $ vont à l’Île. Malgré cela, l’attrait de voyager au-delà de ses frontières est irrésistible.

« Si quelqu’un veut passer à un niveau supérieur, il faut quitter l’Île, car on y plafonne nécessairement », affirme Sampson. « Que vous soyez motivé par l’argent ou l’envie de partir en tournée, vous plafonnerez sans faute. Le bassin démographique y est simplement trop petit. »

Où en sont-ils aujourd’hui ?
Heather Rankin : Après la parution de Christmas, son premier album solo en deux ans coécrit avec David Tyson, Rankin est partie en tournée et, cet été, elle a joué avec Nova Scotia Tattoo. Elle sera en tournée en Alberta et en Ontario cet automne tout en préparant son prochain album.
Natalie MacMaster : Après avoir récemment donné naissance à son septième enfant, MacMaster et son mari Donnell Leahy ont organisé la deuxième édition du Green Ridge Celtic Folk Festival — une célébration de la musique traditionnelle du Cap-Breton, d’Écosse et d’Irlande — qui aura lieu à Keene, en Ontario, les 24 et 25 août.
Gordie Sampson: le Gordie Sampson Song Camp a eu lieu début juillet et il continue son travail à Nashville en collaborant avec des artistes en émergence comme Claire Dunn, Ashley Hanbrick, Hunter Cage, Tenille Townes et Caylee Hammack.
Port Cities (Dylan Guthro, Breagh MacKinnon, Carleton Stone): le trio est actuellement en tournée et prépare le matériel pour son deuxième album qui sera réalisé par Gordie Sampson.
Celtic Colours International Festival: se déroule un peu partout au Cap-Breton du 5 au 13 octobre 2018. Parmi les artistes locaux et internationaux figurant à l’horaire de l’événement cette année, on retrouve J.P. Cormier, Howie MacDonald, Men of the Deeps et Edwina Guckian.
The Acoustic Roots Festival: cet événement annuel a lieu près de Marion Bridge du 31 août au 2 septembre et les vedettes de la prochaine édition sont entre autres Buddy MacDonald, Harold MacIntyre et Meaghan Blanchard.

Heather Rankin a découvert l’intérêt global de la musique traditionnelle du Cap-Breton lorsque The Rankin Family a lancé son premier album éponyme en 1989. « On se disait que c’était d’intérêt uniquement pour les gens dans notre cour et que c’était de la musique de l’ancien temps », raconte-t-elle. « Mais il se trouve que nous avons touché et enrichi la vie de gens aux quatre coins du monde, en Australie et en Nouvelle-Zélande, dans certains coins de l’Europe et aux États-Unis. Cette musique touche les gens. »

La musique folk et trad aux saveurs celtiques attire également les touristes vers le Cap-Breton grâce à ses nombreux festivals, dont notamment le Celtic Colours International, qui a lieu du 5 au 13 octobre, cette année. Le festival met en vedette des artistes locaux et internationaux et attire plus de 20 000 festivaliers chaque année. « Les gens du coin viennent y entendre les artistes étrangers et les touristes y viennent pour entendre les artistes locaux », explique David Mahalik, l’agent d’information du festival, ajoutant que son assistance est en pleine croissance. « Nous sommes en pleine croissance », dit-il, expliquant que le ratio entre festivaliers locaux et ceux venus de l’extérieur est « 60/40 de gens provenant de l’extérieur de l’Île. »

Mahalik affirme que la réputation de Celtic Colours est ce qui attire les touristes, et il remercie Internet pour cela. « Nous tenons la culture gaélique en très haute estime et reconnaissons qu’elle est la base de toute cette musique et de ces danses, le terreau où poussent leurs racines », dit-il. « Nous la traitons avec une immense respect, parce qu’elle est notre mythe fondateur. »

Pour Gordie Sampson, la musique et le tourisme vont main dans la main. « La musique fait partie des attraits touristiques », croit-il. « Lorsqu’on visite le Cap-Breton pour la première fois, la musique est une composante majeure : les gens viennent et ils veulent voir des spectacles et, on l’espère, acheter cette musique. »

Sheri Jones de Jones & Co. Artist Management gère notamment les carrières de Sampson, Port Cities, Mary Jane Lamond et Wendy MacIsaac, et elle croit que la scène musicale locale continuera de répondre aux désirs des amateurs de musique pour encore bien longtemps.

« Leur maestria est immense et ces artistes sont de redoutables conteurs », affirme-t-elle. « Ils savent comment écrire des chansons qui touchent et font vibrer les gens. »


Laissez un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *


Il est un peu étrange qu’une auteure-compositrice qui a grandi en écoutant des disques  de Bob Dylan, Fleetwood Mac, Metallica et Madonna et qui a co-écrit des chansons pour une brochette d’artistes tout aussi différents les uns des autres mentionne que ses plus grandes sources d’inspiration sont deux compositeurs – tenez-vous bien – du 17e siècle! Mais Maia Davies est comme ça.

« Je suis une musicienne de formation classique et je base souvent mes choix mélodiques sur Mozart ou Bach parce que je pense qu’ils ont déjà écrit toutes les plus belles mélodies pop », dit-elle en riant. « Et ensuite nous transférons cela musicalement pour l’instrumentation. »

« La musique folk contient beaucoup de guitares acoustiques, la musique pop a des synthés, la musique rock a des grosses caisses et, côté paroles, il s’agit toujours de transmettre clairement une émotion et une histoire que quelqu’un veut raconter. Ensuite, ça dépend beaucoup de l’artiste, de qui il ou elle est et de quel genre musical il s’agit. »

Maia Davies faisait autrefois partie du quatuor country-pop féminin Ladies of the Canyon, dont la gérance était assurée par la nouvelle division de Warner Music Canada et qui a lancé deux albums : Haunted Woman en 2010 et Diamond Heart en 2013. Maia Davies a co-écrit des chansons pour Monster Truck, Jill Barber, One Bad Son, Serena Ryder, Mother Mother (dont la chanson « The Drugs » a été couronnée d’un Prix SOCAN No. 1), Delhi 2 Dublin, Clayton Bellamy et plusieurs autres.

Le sexe de l’artiste avec qui on collabore joue-t-il un rôle important dans la démarche ? Maia Davies répond simplement ceci : « Dans les chansons de Jill Barber, tu répètes souvent le mot love, mais dans celles de One Bad Son, tu ne le feras probablement pas. » Elle ajoute : « À première vue, toute chanson qui se rapproche du royaume du rock, du folk ou de la pop n’est rien d’autre qu’une façon de transmettre une émotion – et il y a deux éléments : les paroles et la musique. »

Les quatre musiciennes de Ladies of the Canyon, groupe qui a été formé à Montréal en 2005, apportaient au groupe leurs propres compositions individuelles — un processus très solitaire, explique Maia Davies — mais, « au milieu du premier disque, on a commencé à écrire ensemble, et c’est une chose qui me plaisait réellement. »

« Bien souvent, quand ils viennent me voir, ils sont satisfaits de ce qu’ils ont déjà fait, mais ils veulent quelque chose qu’ils n’ont pas encore fait. »

Durant les tournée de Ladies of the Canyon à travers le Québec, où elle a des racines familiales remontant à ses arrière-arrière-grands-parents, elle a eu l’idée de faire un album francophone solo, qu’elle a justement intitulé Héritage et qu’elle a lancé sous son prénom, ré-épelé MAÏA. Ce projet l’a amenée à traduire (ou à « ré-écrire », comme elle dit) les paroles de deux chansons de l’album de 2012 de Serena Ryder, Harmony, pour le marché québécois.

Trois conseils pour les auteurs-compositeurs en herbe
1) « Les idées et les chansons que vous avez ne sont pas toujours les meilleures, et c’est une chose que vous devez accepter. Elles deviennent vos enfants, mais vous devez en laisser partir quelques-uns. C’est comme ça que vous grandissez et que vous vous améliorez. »
2) « Trouvez-vous un mentor, quelqu’un que vous admirez réellement. Assoyez-vous à côté de lui ou d’elle dans une pièce, et ce que vous pourrez absorber vous étonnera. »
3) « La créativité et l’inspiration ne sont pas des choses qui vous arrivent. Elles sont le produit de votre état d’éveil et de l’attention que vous portez à ce qui vous entoure : admirer des couleurs, assister à un concert, faire une promenade, ce genre de choses – et combiner le tout pour produire ce que vous croyez être une inspiration « fortuite ». Si vous souffrez du syndrome de la page blanche, changez de paysage. J’aime aller visiter un musée quand je me retrouve incapable d’avancer, j’aime m’entourer de gens créatifs et dynamiques et partager des idées avec eux. Si vous faites ça, vous ne serez jamais à court d’inspiration. »

Serena lui a fait lire les deux versions françaises qu’elle avait déjà, et Maia, dont les deux parents sont traducteurs et rédacteurs, a décidé de voir ce qu’elle pouvait faire. « Je pense qu’on peut faire mieux », se rappelle-t-elle avoir dit à Serena, puis elle explique : « Je ne crois pas qu’on devrait traduire une chanson, mais je pense qu’il faut en préserver intégralement l’intention et le sens, prendre certaines libertés et écrire en conséquence. »

L’occasion de lancer un nouveau chapitre de sa carrière comme auteure et réalisatrice pour d’autres artistes s’est présentée après que Ladies of the Canyon ait eu commencé à travailler sur son troisième album en compagnie du réalisateur Gavin Brown (Billy Talent, Metric, Barenaked Ladies, Mother Mother, Three Days Grace, Tragically Hip), titulaire d’un JUNO. Mais cet album n’a jamais vu le jour. Le groupe s’est séparé, mais Gavin Brown est devenu le mentor de Maia et lui a fait découvrir l’univers de la co-écriture.

Il lui a prodigué de précieux conseils, et ce, surtout concernant les paroles : à qui s’adresse tel ou tel passage, et pourquoi essaies-tu de parler en langage fleuri ou poétique? Ta chanson doit être une conversation directe avec quelqu’un.

« Il m’a offert de m’accueillir dans son équipe en permanence afin d’apprendre le métier de réalisatrice et d’auteure-compositrice professionnelle », raconte Maia, qui travaille aujourd’hui avec Brown aux Noble Street Studios à Toronto.

Brown réalise également le second album solo de MAÏA, un album de pop alternative francophone. « J’arrive à exprimer mes émotions plus clairement en français », explique-t-elle. « Cet album se distingue des autres sur le plan lyrique. C’est une destination. Je venais de vivre une séparation démente, donc l’album a fini par porter sur l’amour, la déchirure et la guérison. Il regorge d’images et d’émotions. »

Le premier titre a été « Echos », et la suite, « Laisse-moi libre », est sortie le 17 août 2018. L’album, qui ne porte pas encore de titre, sortira le 12 octobre sur l’étiquette Inside Pocket de Brown (qui assure également la gérance de Maia), distribuée par Warner Music Canada. Entre temps, Maia continue de co-écrire et de réaliser, et ses collaborations avec Monster Truck, League of Wolves, Delhi 2 Dublin et Clayton Bellamy sont sur le point d’être lancées.

« Bien souvent, quand ils viennent me voir, ils sont satisfaits de ce qu’ils ont déjà fait, mais ils veulent quelque chose qu’ils n’ont pas encore fait. Alors j’essaie de voir dans quel sens leur musique s’en va, où elle est actuellement, où elle sera demain, où l’artiste peut s’insérer dans ce paysage et comment je peux l’aider à y parvenir. »


Laissez un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *