Imaginez recevoir des cours de technique vocale d’un quadruple lauréat d’un Prix JUNO ou des conseils pour vos solos d’un guitariste qui a partagé la scène avec des géants comme Ozzy Osbourne, Roger Daltrey et Rod Stewart. Cela pourrait bel et bien vous arriver en vous joignant à la Ligue du Rock.

Un avocat au bord du burn-out qui joue de la batterie pour faire sortir le méchant ou un consultant en gestion qui donne vie à son rêve d’enfant en jouant dans un groupe de rock ne sont que quelques petits exemples de ce que peut procurer la Ligue. Ce programme professionnel de 10 semaines pour adultes propose de se joindre les rangs d’un groupe de rock.

« C’est une expérience tout ce qu’il y a de plus authentique. Avec un vrai groupe. De vraies répétitions. Trois concerts devant du vrai public. » – Terry Moshenberg

Terry Moshenberg venait de vendre son entreprise de logiciels quand il a la révélation qui le conduit à fonder la Ligue du Rock.

« Si vous gardez votre cœur et votre esprit grand ouverts, tout peut arriver, » explique Moshenberg, en ajoutant que le moment était parfait pour ce genre de choses lorsqu’il a eu son idée il y a 9 ans. « Des changements fondamentaux étaient en cours, » dit-il. « D’abord, les gars de mon âge se remettaient en question à nouveau. Ça sortait de partout… Facebook faisait mention de gars dans la cinquantaine qui se remettaient à la musique. J’avais moi-même ressorti ma guitare et je m’étais remis à jouer. »

« Je me suis aussi rendu compte que l’industrie de la musique était en pleine évolution, » ajoute-t-il. « Les musiciens étaient une ressource inexploitée… ils n’étaient ni en tournée, ni occupés à faire ce qu’ils faisaient d’habitude, et ils cherchaient du boulot. … C’est de ce constat qu’est née la Ligue du Rock. »

En neuf ans, plus de 3 000 personnes ont profité du programme. La valeur ajoutée de la Ligue c’est que les participant connectent comme des fous avec les musiciens professionnels qui assurent leur formation. La Ligue du Rock organise également des événements de renforcement de l’esprit d’équipe et des ligues rock en entreprise.

Et ces quatre dernières années, quatre des plus grands cabinets de consultants (Deloitte, KPMG, PriceWaterhouse Coopers, et Ernst & Young) ont organisé des événements de levée de fond du type « Battle of the Bands » dont les recettes sont versées à Centraide. Outre Toronto, des chapitres ont été créés à Ottawa, Montréal et New York – et des discussions sont en cours avec d’autres villes, dont Vancouver et Austin au Texas.

Si vous savez jouer trois accords, battre le rythme ou chanter, la Ligue du Rock est peut-être faite pour vous. Imaginez vous exhausser un de vos souhaits les plus chers. Les soirs de tirage, on vous assigne à un groupe avec quatre inconnus et pendant dix semaines, vous apprenez ensemble quelques chansons, guidés et conseillés par des musiciens professionnels. À la fin de la session, le groupe donne un concert en public et enregistre une chanson démo dans l’un des meilleurs studios de la ville. À Toronto par exemple, ça se termine par une fin de semaine d’enregistrement au Studio Phase One– qui compte Rush, Keith Richards, Alice Cooper et Bob Dylan parmi ses anciens clients.

« Vous connaissez le cliché qui veut que ce sont aujourd’hui les créatifs qui dirigent l’économie,” dit Moshenberg. “C’est ce que nous avons exploité, mais on ajoute un petit côté cool à l’expérience. Ça n’est pas quétaine comme de dire “vivez dans la peau du rock star pendant une journée et serrez la main de Gene Simmons.” C’est une expérience tout ce qu’il y a de plus authentique. Avec un vrai groupe. De vraies répétitions. Trois concerts devant du vrai public… c’est une occasion unique de goûter au style de vie rock ‘n’ roll sans avoir à partir sur les routes en abandonnant femme et enfants. Les gens ont vraiment soif de ce genre d’expériences. Ils ont mis le bâillon à leur créativité quand ils ont eu des enfants et remisé la guitare au placard pendant 10 ans, jusqu’à ce que leur femme leur dise que le temps était venu de sortir et de faire quelque chose de leurs dix doigts. »

Visionnez un documentaire consacré à la Ligue du Rock ici.


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Au moment de notre rencontre, par une belle journée d’avril, Ariane Moffatt avoue vivre un petit moment de blues post-partum. Rien à voir avec la naissance de ses jumeaux Paul et Henri, portés par sa compagne Florence, et dont l’arrivée dans sa vie, il y a deux ans, a grandement inspiré les chansons de son plus récent disque. Non, Ariane fait le deuil de la période du cycle de création qui l’a menée jusqu’au lancement de 22h22. « Le gros de la promo est derrière moi et après le buzz initial, les médias sont déjà passés un autre nouveau truc », lance-t-elle avec un sourire amusé.

On pourrait dire la même chose d’Ariane, une artiste qu’on peut difficilement accuser de rester longtemps au même endroit. Chaque album est pour elle l’occasion d’explorer de nouveaux territoires, d’échanger avec de nouveaux musiciens, et 22h22 ne fait pas exception à la règle. Elle a même changé de compagnie de disques pour l’occasion, délaissant Audiogram pour Simone Records.

« Décider de ne pas mettre mes tounes sur Spotify, ça ne change peut-être pas grand-chose, mais ça me permet d’expliquer aux gens notre réalité. »

Mais si Ariane, de son propre aveu, peut être assez volage, elle s’appuie aussi sur quelques proches qui lui seront toujours fidèles. C’est le cas de son vieil ami Jean-Phi Goncalves qu’on a connu comme batteur au sein de Plaster et Beast et qui assure la coréalisation de 22h22.  « C’est un collaborateur assez particulier parce que c’est aussi mon meilleur ami, explique Ariane. Entre nous, le courant passe tout naturellement; on se comprend sans se parler. Évidemment, à titre de réalisateur, il a grandement contribué à la signature sonore. Mais je suis arrivée à lui avec un album presque fini, car j’ai tendance à tout penser en même temps: la mélodie, le texte, l’arrangement. »

Pour ce disque, Ariane s’était donné quelques balises: pas de guitares et beaucoup de synthés, mais éviter à tout prix de faire dans le pastiche new wave à la mode. Goncalves l’a bien compris et n’a pas hésité à réconcilier les extrêmes, magnifiant la pop entraînante de Debout ou Miami (une petite merveille qui, étrangement, a bien failli ne pas se retrouver sur le disque) ou privilégiant le dépouillement sur des chansons touchantes comme Domenico, écrite en hommage à un célèbre sans-abri du Mile-End.

Ce que Goncalves apporte aux musiques d’Ariane, Tristan Malavoy Racine le fait pour ses textes. Le poète et journaliste est un autre de ces amis proches dont Ariane apprécie les conseils. « C’est mon premier lecteur; il joue le rôle qu’un éditeur aurait pour un romancier », explique-t-elle. « Bien sûr, il a cette ouverture à la poésie, mais aussi une grande écoute. On discute beaucoup, sans que l’ego s’en mêle et il m’a aidé à rendre accessibles des trucs qui étaient assez personnels. »

Depuis le lancement de l’album, elle a d’ailleurs longuement parlé de la signification de ce 22h22, dont l’élégante symétrie rappelle la gémellité de ses fils. Au-delà de ses qualités esthétiques, cette heure marquait pour elle la transition entre deux états. Alors que le sommeil finissait par emporter ses fils, la mère laissait la place à l’artiste. Ça semble presque trop parfait pour être vrai, une coquetterie, même; et pourtant… « Non, non, c’est vrai, je n’ai pas inventé cette histoire, insiste-t-elle. Je voyais ces chiffres partout au moment de commencer la création du disque, affirme-t-elle. Après, c’est sûr, je me suis demandé si je n’en parlais pas un peu trop, s’il n’y avait pas un danger à insister sur un concept qui pourrait finir par faire de l’ombre aux chansons. Mais je l’assume et ce n’est pas pour rien que j’ai placé cette pièce-là au début de l’album : c’est en quelque sorte la clé qui permet de décoder l’ensemble du disque. »

Il est vrai qu’Ariane nous donne, plus que jamais, accès à son monde intérieur. Entre Matelots & frères, construite autour d’échantillonnages des voix de ses fils et le cri du cœur des Tireurs fous, c’est la mère qui prend le devant; tandis qu’avec une pièce comme Les Deux Cheminées, véritable déclaration d’amour à sa blonde, c’est l’amoureuse qui se dévoile.

Mais peu importe où elle décide d’aller, Ariane sait qu’elle peut compter sur un public de fidèles. À quelques reprises au cours de la conversation, elle évoque, presque incrédule, la jeune femme qu’elle était au moment du lancement d’Aquanaute en 2002 et, surtout, l’incroyable chemin qu’elle a parcouru depuis. Elle semble s’être réconciliée avec son statut de pop star et n’hésite pas à se servir de la notoriété pour aborder des enjeux importants, qu’il s’agisse d’homoparentalité ou des transformations de l’industrie de la musique. « Je ne pense pas devenir une militante, mais je pense que c’est important de parler de ces enjeux-là quand on a une tribune comme moi, explique-t-elle. Décider de ne pas mettre mes tounes sur Spotify, par exemple, ça ne change peut-être pas grand-chose, mais ça me permet d’expliquer aux gens notre réalité. À savoir que ceux qui s’en mettent plein les poches en ce moment nous paient des pinottes et ne réinvestissent malheureusement rien dans la carrière des artistes. »


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Sensation électro pop montréalaise, Foxtrott part enfin à l’assaut de la scène internationale avec l’excellent A Taller Us, un premier disque complet à paraître d’ici la fin de l’année via l’étiquette londonienne One Little Indian.

Il y a de ces artistes qui séduisent dès les premières mesures d’une chanson, sans avertir, telle une force mystique. Le son prend vos sens en otage, comme si rien n’avait plus d’importance à l’exception des notes qui rebondissent sur vos tympans. Coup de foudre auditif. Euphorie.

« J’ai préféré tenter le grand coup et signer tout de suite avec une étiquette internationale. Tout a été plus long, mais j’y suis arrivée.»

Marie Hélène Delorme nous a fait le coup deux fois sous deux noms d’artiste différents. Ce n’est pas un hasard. La première date de 2009. Sous le sobriquet de MHMHMH, elle remixe alors la chanson Rue Ontario projetant la voix de Bernard Adamus dans un univers électro aux basses fréquences groovantes. Le contraste avec les racines blues du chanteur marque les esprits.

Puis, en septembre 2012, elle nous refait le coup en balançant sur sa page Bandcamp les trois titres du premier EP de son projet solo, Foxtrott. Certains craquent à l’écoute de Shields, une pièce électro accrocheuse capable de soutenir le rythme lors de séance de course. Plusieurs succombent devant la sensualité de Colors, une composition plus lente, sublime et hypnotique. Les autres accrochent devant la démarche plus exploratoire de Heads Under Water qui confirme toute la polyvalence de Delorme. Au jeu risqué des comparaisons, Foxtrott s’inscrit dans une lignée électro pop minimaliste, quelque part entre l’énergie de La Roux, la recherche sonore de Braids et l’accessibilité de Lorde.

Dès la minute où les pièces se retrouvent en ligne, des acteurs de la scène électro locale et même mondiale inondent la boîte de réception de Marie Hélène Delorme. Elle se retrouve rapidement prise en charge par la maison de gérance Sofa King Raw qui lui dégote, après plusieurs mois de négociation, un contrat avec le label londonien One Little Indian (Björk, Cody Chesnutt, Sneaker Pimps, Sigur Rós), une entente officialisée le 15 avril dernier.

« Ça fait un an que nous sommes en pourparlers avec One Little Indian. Ç’a été compliqué, mais je suis contente. C’est enfin réglé », explique la musicienne qui aurait pu s’entendre rapidement avec une maison de disque québécoise. « Avec les réactions face au EP sur Bandcamp, j’ai préféré tenter le grand coup et signer tout de suite avec une étiquette internationale. Tout a été plus long, mais j’y suis arrivée. »

Réalisatrice de son album, la chanteuse de 29 ans fait à sa tête. Élevée dans une famille où la musique classique occupe un rôle important, elle s’affranchit du carcan académique à l’adolescence. « Ma grand-mère était professeure de piano et d’orgue à Vincent D’Indy. Je devais avoir 4 ou 5 ans lorsqu’elle a commencé à me donner des cours de piano. Puis je me suis mise au violon, mais je me suis vite tannée par manque de liberté. Je cherchais à changer des pièces, à modifier des mélodies au grand dam de mes professeurs. “Mais c’est Bach qui a composé ça il y a 250 ans, tu ne peux pas changer la note finale sous prétexte que c’est plus beau”, qu’on me disait. »

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Même si jouer avec les notes l’intéresse dès 14 ans, Marie Hélène Delorme mettra encore plusieurs années avant de signer ses propres pièces. Une fois le violon au placard, elle se passionne pour le rap et le dance hall. « Je viens de Tétreaultville dans l’est de Montréal. Personne n’écoutait de dance hall dans mon coin, mais ça m’allumait. Je lisais les livrets des CD pour voir qui avait produit les pièces. J’ai découvert Sly and Robbie qui était derrières plusieurs tracks que j’aimais. J’étais pas mal geek. Je me demandais toujours comment les producteurs arrivaient à tel type de beats et de sons.»

Cette fascination pour la production sonore prend un autre sens lorsqu’un ami lui prête un CD-ROM des programmes d’enregistrement Q-Base et Reason qu’elle installe en cachette sur l’ordinateur familial. « J’avais déjà créé un drame en abandonnant le violon, disons que je restais plutôt discrète sur mon amour des beats. J’ai mis beaucoup de temps avant de composer mes premières chansons et de les faire entendre aux autres. Tout a débloqué lorsque la maladie a frappé dans la famille. »

Affecté par des troubles de santé mentale dans la vingtaine, alors qu’il se dirigeait vers une carrière prometteuse de musicien classique, le frère de Marie Hélène Delorme devient une source de motivation.

« Le voir dépérir tout en me sentant impuissante m’a botté le cul. D’un côté il y avait lui, un musicien de grand talent, mais de moins en moins fonctionnel. De l’autre, il y avait moi qui faisais tout en cachette parce que je ne m’assumais pas. Ça m’a donné un électrochoc. J’ai ressenti un besoin urgent de composer et d’aller au bout de mes idées. »

S’accumulent donc les premières chansons de Foxtrott vers 2008, puis le remixe de Rue Ontario de Bernard Adamus l’année suivante.

La chanteuse ne cache pas le côté très personnel de ses chansons, dont Brother qui se retrouvera sur le premier disque complet de Foxtrott, A Taller Us, à paraître d’ici la fin de l’année. Plusieurs chansons abordent les différentes relations de la compositrice dotée d’un grand sens mélodique.

« Quand tu apprends la musique classique, il y a des notions qui te restent imprégnées dans le cerveau longtemps. Avec le violon, les mélodies deviennent super importantes. Je cherche aujourd’hui un équilibre constant entre le son, la rythmique et la mélodie », explique celle qui enregistre ses chansons seule dans son studio maison.

« Plusieurs beatmakers ont des sons de fous, mais sont faibles sur le plan mélodique. À l’inverse, des artistes forts en composition couchent leurs mélodies sur des beats poches. J’ai dans mon ordinateur des tracks fantastiques, mais je les utiliserai que lorsque j’aurai trouvé des mélodies à la hauteur.»

Les prochains mois seront donc fort occupés pour Foxtrott. Des concerts en formule trio (avec Erla Axeldottir au cor français et Christian Olsen à la batterie) sont prévus ce printemps à Toronto, New York et Londres. Il est grand temps que One Little Indian présente son nouveau poulain aux médias. Ça commence dès maintenant avec la sortie du premier extrait de l’album à venir, la pièce Driven, menée par une rythmique inventive et des claviers incisifs. À découvrir avant que la planète ne s’en empare.

http://www.iamfoxtrott.com/


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