Bien des artistes tentent de créer de la musique originale, quelque chose qu’ils n’ont jamais entendu auparavant. Mesurer ses chansons à l’aulne des classiques peut être intimidant, mais pour Michael Rault, les classiques des Beatles ou des Kinks sont plutôt un standard qu’il cherche à atteindre.

Lorsque cet Edmontonien a commencé à jouer de la musique sur scène à sa sortie de l’école secondaire, il jouait « presque uniquement du vieux blues, du country et du R&B ». « J’aimais jouer ces chansons plus que ce que j’avais pu écrire moi-même jusque là », se souvient-il. « Je n’ajoutais des chansons originales à mon “set” que si j’étais convaincu qu’elles pouvaient se mesurer aux autres pièces que je jouais. »

Deux albums plus tard — et un troisième, It’s a New Day Tonight, à paraître le 18 mai 2018 —, Rault utilise toujours cette méthode d’écriture afin de peaufiner son talent, dans l’espoir « qu’un jour, peut-être que je serai vraiment bon ! » Il va sans dire qu’il a un bon bout de chemin de fait grâce aux nombreux enregistrements qui ont informé le glam-pop-rock guitaristique de Rault, un son qui rappelle à la fois les groupes légendaires qui l’inspirent et des groupes plus contemporains comme Ty Segall ou King Tuff.

Pour son prochain album, Rault a fait appel à Wayne Gordon de Daptone Records et Wick Records (Sharon Jones & The Dap Kings, BadBadNotGood), cette dernière étant d’ailleurs sa maison de disques. Cette relation s’est développée grâce à l’aide de son compagnon de tournée, King Gizzard & the Lizard Wizard, et elle a évolué en partenariat dont Rault est très fier.

« Enregistrer à Daptone était une chouette expérience », raconte l’artiste. « Chaque fois que nous retournions dans la salle de contrôle après une prise, ça sonnait déjà parfait à cause du talent d’ingénieur et de prise de son de Wayne, directement sur la bande. C’est cool de voir l’album prendre forme devant nos propres yeux, en temps réel. »



Mélissa Laveaux« Chaque album est pour moi l’occasion de vivre une espèce de crise identitaire », explique Mélissa Laveaux, jointe à Paris, où elle habite depuis près d’une dizaine d’années. Pour la jeune femme originaire d’Ottawa, la recherche de soi est le moteur de la créativité. « Pour mon premier disque, j’étais dans la découverte de qui j’étais vraiment; je trouvais encore ma voix, alors que le deuxième parlait d’une déchirure et de la difficulté de communiquer, notamment avec mes parents, avec qui j’ai vécu une vraie rupture, en assumant que j’étais lesbienne. »

Née à Montréal de parents haïtiens qui ont fui le régime Duvalier, Mélissa Laveaux a été élevée dans la capitale canadienne. C’est là qu’elle a fait son éducation musicale, qui l’a menée de la collection de disques haïtiens de son père à la radio top 40 (« j’écoutais religieusement Kacey Kasem à la radio », dit-elle), puis au folk de Joni Mitchell et au rock indie de Broken Social Scene.

Signée par l’excellent label No Format (qui a publié des disques d’Oumou Sangaré, de Nicolas Repac et de Gonzales, entre autres), elle lance son premier album, Camphor and Copper, en 2008. Après avoir exploré un folk rock mâtiné de blues, développant son style très personnel tout en proposant d’étonnantes reprises – d’Elliott Smith à Eartha Kitt, en passant par Weezer -, Mélissa a eu envie de redécouvrir ses racines à la faveur d’un voyage au pays de ses ancêtres en 2016.

Elle rêve de replonger dans les chansons découvertes grâce aux disques de Martha Jean-Claude, la grande artiste dont l’activisme politique l’a amenée à quitter Haïti pour Cuba en 1952.  « Évidemment, je ne pouvais pas recréer le son de Martha Jean-Claude, qui travaillait avec un orchestre afro-cubain. Mais je sais jouer de la guitare et je sais faire de la chanson pop, alors je me suis servi de mes forces pour créer quelque chose de neuf. »

Celle qui, de son propre avis, chante créole « avec un gros accent » se penche alors sur un répertoire d’airs folkloriques et populaires qui ont rythmé la période de l’occupation américaine d’Haïti au début du siècle dernier. Elle explore du coup la culture vaudou, lieu de liberté et instrument de résistance, à l’impérialisme yankee, bien sûr, mais aussi aux carcans sociaux de sa famille. « Si une partie la culture haïtienne, celle de mes parents notamment, est assez conservatrice, dans le vaudou on trouve un espace de liberté où même des personnages queers peuvent avoir une place », dit-elle, en évoquant le documentaire Des Hommes et des Dieux d’Anne Lescot et de Laurence Magloire, qui se penchait justement sur ce sujet.

Le résultat, qu’on entend sur Radyo Siwèl, propose une vision toute personnelle de ces chansons, une pop à guitares moderne pourtant respectueuse de la tradition. « Quand je chante devant un public de la diaspora, que ce soit à Londres ou à Paris, les gens sont très indulgents, car ils sont nostalgiques. Le vrai test, ça va être de les jouer à Port-au-Prince cet été, devant des gens qui risquent d’être plus critiques! »

Il s’agira d’une première pour Mélissa, qui, dans la foulée de sa signature avec la maison Bonsound de Montréal, donnera aussi des concerts à Montréal, Toronto et New York, où elle commence à susciter l’attention, en partie en raison de sa parole engagée. « Disons que le Président fait presque ma promo avec sa déclaration sur « shithole countries », lance-t-elle en ricanant. Depuis la sortie du disque, je reçois autant de demandes d’interviews de la part de blogues militants que de ceux qui s’intéressent à la musique! »

Est-ce à dire que Radyo Siwèl est un album politique? « Ça n’a pas commencé comme ça, mais le contexte en a voulu ainsi, explique-t-elle. Je sens un devoir de mémoire, mais mon but n’est pas de devenir le porte-étendard d’une cause. Je ne suis pas historienne ou politicienne, je suis chanteuse et tout ce que je veux, c’est mettre la musique haïtienne sur un podium. »



Au terme de la dernière soirée des demies-finales du concours Les Francouvertes, c’est la membre SOCAN Loui-Adriane Cassidy, ainsi que ses collaborateurs Stéphanie Boulay et Philémon Cimon, qui ont remporté le Prix Paroles & Musique assorti d’une bourse de 1000$ offerte par la SOCAN pour souligner leurs talents d’écriture pour les pièces interprétées sur scène par Lou-Adriane. Elle profitera ainsi d’une résidence d’écriture à la maison SOCAN à Paris, d’une bourse forfaitaire de mobilité internationale de 1 500 $ offerte par l’Office franco-québécois pour la jeunesse (OFQJ) et d’une invitation à venir présenter le fruit de son travail lors de la série J’aime mes ex, présentée par la SOCAN, dans le cadre de la 23e édition des Francouvertes.

Crabe, LaF, Lou-Adriane Cassidy

Les trois finalistes de l’édition 2017 des Francouvertes : Crabe, LaF et Lou-Adriane Cassidy.

Parmi les 9 demi-finalistes du concours, trois ont réussi à rallier les votes du public et du jury de l’industrie dont faisait partie le responsable A&R de la SOCAN à Montréal, Widney Bonfils, soit : Crabe, LaF et Lou-Adriane Cassidy. Les trois finalistes devront donc relever le défi de séduire le jury et le public lors de cette grande finale qui aura lieu le 7 mai au Club Soda, à Montréal. Pour l’occasion, les porte-paroles du concours, Klô Pelgag et Tire le Coyote, offriront une courte prestation en ouverture de soirée.

L’enjeu de cette grande finale sera bien sûr de mettre la main sur la première place et sa bourse de 10 000$, mais de nombreux autres prix viendront récompenser les finalistes, dont le Prix du public, d’une valeur de 5000$, qui sera déterminé par un vote en ligne se déroulant jusqu’au 4 mai au francouvertes.com/vote.

Visitez le site web des Francouvertes pour tous les détails concernant les prix qui ont été remis au terme des demi-finales et bonne chance aux trois finalistes!