Marc Costanzo a cessé de se « faire chauffer la couenne dans le parc d’en face » depuis qu’il a vendu deux millions d’exemplaires de l’album You Can’t Stop The Bum Rush du groupe rock Len en 1999 grâce au succès estival omniprésent qu’est « Steal My Sunshine ».

Également découvreur du groupe rock Sum 41, l’auteur-compositeur et producteur torontois a contribué au développement de nombreux autres auteurs et artistes, et lancé des albums subséquents de Len en 2005 et 2012. Il éclate de rire quand on lui demande ce qu’il a fait entre temps.

« Beaucoup de choses », répond-il en ajoutant qu’il ne veut mentionner personne. « Parler de tout ce que j’ai accompli par le passé dans le domaine de l’édition est une chose qui ne m’a jamais aidé. Si vous voulez savoir ce que j’ai fait, venez me voir en studio à Nashville et regardez les disques d’or qui couvrent le mur. »

« Je ne me souviens pas de m’être autant amusé! »

La participation et la propriété de Costanzo dans le domaine des droits d’édition totalisent plus de 35 millions d’albums vendus, d’après un communiqué de sa nouvelle entreprise, Inside Music Nashville. « Nous avons une dizaine de chansons qui font l’objet de nombreux placements, mais la chanson la plus réutilisée de tout notre catalogue est “Steal My Sunshine” », précise-t-il.

La majeure partie de son catalogue se compose d’œuvres lancées par Universal, Sony et Warner, explique Costanzo. Des œuvres musicales qu’il représente ont été utilisées dans Peter Rabbit The Movie; dans des campagnes télévisuelles d’Amazon (en Amérique du Nord), Hampton Inn (dans le monde entier), Hotpoint (Royaune-Uni, Europe, Moyen-Orient, Japon), QVC (États-Unis, Canada), Tropicana (Canada) et Kinder Joy (Amérique du Nord); ainsi que dans South Park, Beat Shazam!, America’s Got Talent, Live with Kelly & Ryan, American Idol, Mr. Robot, American Dad et Roswell: New Mexico.

On n’arrête pas le soleil de briller

« Suis arrivé ici durant le coronavirus. Avais besoin de sourire » pouvait-on lire dans les commentaires en dessous du vidéoclip de « Steal My Sunshine » de Len sur YouTube, qui a cumulé 40 millions de vues depuis qu’il a été affiché à la fin de 2019, soit dix ans après le lancement de You Can’t Stop The Bum Rush, l’album dont la chanson faisait partie à l’origine.

Cette chanson continue de plaire à travers une synchronisation au film Go en 1999, des placements dans les séries South Park et American Dad et une publicité de Tropicana — « environ 30 à 50 placements par année depuis les cinq dernières années », souligne l’auteur-compositeur/producteur Marc Costanzo, qui interprète la chanson avec sa sœur Sharon. « Je n’ai encore eu à dire ‘non’ à aucun projet. C’est généralement des trucs super cool, des publicités commerciales estivales. »

La chanson « Steal My Sunshine » a atteint la 13e position de la Top 50 One-hit Wonder List compilée en 2007 par le magazine Stylus, ainsi que la 13e position du palmarès Best Summer Songs of All Time 2013 du magazine Rolling Stone, mais la vraie vedette reste Costanzo lui-même.

Nota : Le regretté Gregory Diamond, qui est mort l’année de la sortie de la chanson, fait l’objet d’une mention posthume sur « Steal My Sunshine » pour l’utilisation de son échantillon « More, More, More ».

Accueilli chez EMI Music Publishing Canada par son ancien directeur Michael McCarty, maintenant chef, Affaires des membres et Développement de la SOCAN, Costanzo mentionne que tout ce qu’il fait aujourd’hui « est basé sur la façon de travailler de Mike en 1995 ou environ, soit au moment où il a quitté EMI.

« Le soutien qu’il offrait était tel que j’en vois très rarement d’autres exemples à l’heure actuelle. Il prenait des chances, et ça, plus que tous ceux que je connaissais. Il dirigeait une maison d’édition comme il aurait dirigé une maison de disques, une société de gestion, et il y avait une composante de type studio d’enregistrement qui n’existait nulle part ailleurs à l’époque. »

Depuis que la pandémie de COVID-19 a entraîné la fermeture de la frontière entre le Canada et les États-Unis, Costanzo travaille au premier étage de son studio torontois, face au lac Ontario, sur des chansons de la jeune entreprise Inside Music Nashville. Son nouveau partenaire, le producteur, claviériste et arrangeur Kory Caudill, travaille dans le même studio que lui à Berry Hill, au Tennessee, où ils se sont rencontrés. Le directeur général de l’entreprise est Matt Williams, et Costanzo a amené avec lui Martin “Bucky” Seja, son collaborateur de longue date en production hip-hop et R&B.

« Il serait bon que les gens sachent que deux personnes originaires de deux pays et de deux milieux différents se donnent la main », observe Costanzo. « Kory est un artiste country/bluegrass/jazz originaire d’East Kentucky, Floyd County; il vient des Appalaches, du Sud; il joue dans le Justin Moore Band [auquel on doit de nombreux succès No. 1]. Lui et les membres de son équipe viennent tous du Sud.

« Moi, je viens du milieu de la pop, du hip-hop et du R&B, un style de musique qui exige des tonnes d’équipements et d’appareils électroniques. Lui et moi sommes complètement différents – sauf que nous faisons tous les deux les choses à notre manière et que chacun de nous a vu dans l’autre ce qu’il ne possédait pas lui-même. Nous avons compris que, à deux, nous pouvions compléter le portrait de ce que nous adorons produire, c’est-à-dire du country-pop et du pop-country. On s’est dit qu’il fallait combiner nos expériences dans les domaines de l’édition, de l’écriture et de la production, et nous joindre aux musiciens et producteurs incroyables auxquels il a accès de son côté.

« Ce que j’ai fait comprendre à Kory, c’est que je peux rester fidèle à moi-même. J’aime la pop, le hip-hop. On peut représenter ce genre de musique avec Bucky et tous mes auteurs et producteurs, et on n’est pas obligés de faire de la musique country pour autant. Je n’écris ni vers ni paroles. Je n’irai pas à prétendre que je suis originaire de Floyd County. Je n’essaierai pas de faire croire que je viens du Sud. De son côté, lui non plus n’est pas obligé de prétendre qu’il vient du milieu pop ou qu’il a la même expérience que moi. Ensemble, chacun peut être fidèle à lui-même. »

Le jour de notre entretien, Bucky écrivait une pièce instrumentale, et Costanzo écrivait le refrain, « une chanson parfaitement R&B », déclare ce dernier. Il l’a fait écouter à Caudill, qui a dit que ça pourrait être une chanson country. Costanzo mentionne l’exemple de « I Swear » – qui a été un succès country pour John Michael Montgomery et un succès R&B pour All-4-One au début des années 1990. « On compte donc à la fois sur son univers et sur le mien », résume Costanzo. « Je ne me souviens pas de m’être autant amusé! »



Le troisième album de Klô Pelgag débute à la fin. L’autrice-compositrice-interprète s’est noyée dans la fin des choses, le tourbillon d’un succès qui ne vient jamais sans effort. Sur Notre-Dame-des-Sept-Douleurs, l’artiste se baigne avec aisance là où l’eau avait jadis tout fait déborder.

Klo Pelgag « Un album, ça parle de nous à un moment précis et en même temps on veut en faire un intemporel. C’est une contradiction difficile à atteindre, mais j’aime les défis », assure Klô Pelgag. Notre-Dame-des-Sept-Douleurs s’est dessiné à la fin de l’été dernier alors que quelque chose de clair commençait à poindre à l’horizon pour l’artiste. Après L’alchimie des monstres et L’étoile thoracique, il ne restait plus rien. Elle avait tout donné et elle n’avait gardé que la peur de la suite.

« C’est malsain de faire un album et faire 300 shows après, raconte la chanteuse. Des gens s’imaginent qu’on est dans un autobus glamour. La vérité, c’est que t’es 7-8 dans un véhicule de location avec du stock par-dessus ta tête. C’est très épuisant. » Si les histoires de Klô sont si riches et ses images si précises, c’est qu’elle prend le temps de s’y immerger complètement. « La tournée, c’était une roue qui ne s’arrêtait plus jamais et je n’avais plus d’espace mental pour juste réfléchir. »

L’épuisement est survenu, puis le courant créatif a rejailli en 2019. L’hiver 2020 a commencé avec la naissance d’une fille pour Klô Pelgag et son amoureux Karl Gagnon (Violett Pi) à la mi-janvier, mais la mi-février, elle, a emporté le papa de Klô qui souffrait d’une maladie dégénérative. La vie a installé sa montagne russe avant même que la pandémie prenne ses aises. « J’ai souffert de son départ bien avant qu’il parte. Ça faisait longtemps que je le voyais souffrir du deuil de son corps », laisse-t-elle tomber. Elle aborde d’ailleurs ce départ long sur La fonte avec une simple mélodie de piano : Maintenant, je te demande laisse-moi partir à l’ombre de mon corps. Il n’est plus le mien.

« C’était une chanson nécessaire parce qu’elle fait partie de la souffrance que j’ai traînée et ça a été très difficile à accepter. C’est la seule chanson de l’album que j’ai laissée plus simple. Je ne voulais pas camoufler le propos. »

Un nouveau village

L’album porte le nom d’un village tout petit qui effrayait Klô, enfant, mais qu’elle s’est donné les moyens de voir sous un jour lumineux. Comme un village entier, le troisième disque de l’artiste est distinct. Il s’érige sur une terre familière, mais tout ce qu’on y trouve est nouveau. Chaque album de Klô Pelgag est un village nouveau qui nous rappelle un endroit où on est déjà allé.

« Je suis contente que tu le vois comme ça, parce que c’est vraiment ça que j’ai toujours voulu faire, dit Klô. Quand j’ai sorti mon deuxième album, on reconnaissait des choses du premier, mais j’ai permis aux chansons d’évoluer durant la tournée avec mon band. À la fin, déjà, je savais que je voulais m’éloigner des cordes qui étaient centrales sur L’étoile thoracique pour aller vers quelque chose de plus groundé. Je voulais de la violence et du gras dans le son. Je n’avais jamais tant ressenti le fait de vouloir exprimer quelque chose. »

C’est Sylvain Deschamps, fidèle au poste de coréalisateur depuis le premier disque qui « reçoit » encore toutes les idées. « C’est précieux, en musique, d’avoir des collaborations aussi significatives parce qu’au-delà du désir de performance, il faut avoir l’humilité de faire cheminer les idées des autres, explique la musicienne. Ce qui me fait le plus peur, c’est toujours la technique. Je n’écris pas et je ne lis pas la musique, mais j’ai l’oreille très aiguisée. Sylvain m’a beaucoup aidée à me sentir plus forte dans tout ce que je n’ai pas encore compris. »

Étienne Dupré, François Zaïdan, et Pete Pételle se dressent en garde rapprochée. Musiciens chevronnés, ils font partie du grand casse-tête qui a permis à Klô de se reconstruire. Owen Pallett signe également l’arrangement des cordes sur À l’ombre des cyprès et J’aurai les cheveux longs, puis les arrangements de cuivres sur Soleil, puis Klô Pelgag a arrangé elle-même les cordes. Elle perçoit cet album comme une « accumulation », quelque chose qui a grandi en elle au cœur de l’intensité. « Je voudrais que tout le monde puisse saisir le travail et les textures et qu’ils finissent par voir dans la musique toutes les bulles sonores et les mouvements que ces gens-là ont su créer. »

Bordé par deux pièces instrumentales au début et à la fin, Notre-Dame-des-Sept-Douleurs a besoin de volume et d’espace. On y découvre des perles chaque fois qu’on le laisse se déposer devant soi. « C’est sûr que je voudrais que les gens l’écoutent en fumant la pipe devant la mer au coucher du soleil ou dans un champ, la bouche beurrée de fruits, couchés au milieu des queues de fraises, mais je pense que ce qui est cool c’est qu’on puise l’écouter de mille façons et que ça fit toujours. »

Le troisième album de Klô Pelgag est le plus intime du trio. Et si le précédent disque nous présentait Édelweiss, on fait ici la rencontre de Rémora et d’Élise, des personnages qui portent les textes des chansons aussi fermement que s’ils étaient au cœur d’une épopée en dix tomes. « Ces personnes, c’est toujours moi, sans se limiter à moi. Je trouve ça intéressant de me voir d’un point de vue extérieur. Ça me permet d’être tout ce que je veux et de dire des choses que je n’oserais pas dire. »

Plus on écoute l’album, plus les histoires de chacune des pièces se dessinent sous nos yeux. Klô Pelgag réussit encore à nous montrer la couleur de tout ce qui a toujours été noir ou blanc. « Je suis peut-être prédisposée, dit-elle en riant. C’est un genre de lâcher-prise sur le cerveau, écrire ces chansons-là. Quand je compose, je sais que je ne vais pas me juger et c’est souvent à ce moment que l’image arrive. »

Après la chute

Même si Notre-Dame-des-Sept-Douleurs part de la chute de soi, Klô ne ressent pas la légitimité de brandir le drapeau de la santé mentale et croit que, dans plusieurs situations « il faudrait juste garder le silence ». « Je fais seulement des chansons et la musique qui parle de détresse, c’est déjà un rôle social. Si je chante à ce sujet-là, je n’ai pas besoin d’en parler. Il y a une démesure dans l’idée de faire défendre des causes par les artistes. Il y a des gens qui passent leur vie à faire des postdoctorats sur les sujets dont parlent mes tounes. On devrait leur donner le micro à eux », croit-elle.

Et il y a certes des zones obscures dans les sept douleurs de Klô, notamment dans À l’ombre des cyprès où elle demande carrément à être enterrée. « Oui, c’est une toune de suicide même si c’est groovy, mais, tu sais, je parle souvent de la mort, même si je souris », affirme l’artiste. L’aspect enfantin et les couleurs vives de la pochette de L’alchimie des monstres nous conduisaient d’ailleurs dans ce bateau de contrastes qui nous faisait hisser un nom, un visage et une douceur « au plus haut des mâts » du cœur. « Oui, je parle souvent d’un grand mal-être et la vie, c’est toujours un peu ça. Il y a des jours où tu lis ce qui se passe dans le monde et t’as mal à l’humanité et même à ton corps et après ça tu vas au marché et tu manges une fraise de saison et tu te dis wow la vie, c’est tellement beau. Quelqu’un a volé mon géranium sur ma galerie il y a deux ans, mais en même temps il est parti avec des fleurs et j’espère qu’il va le mettre chez lui, qu’il va être content », se console-t-elle, amusée.

Si Rémora est la pièce qui « installe » le plus ses capacités de musicienne dans le moment présent, pratiquement toutes les autres chansons démontrent un savoir-faire original et des idées d’assemblage que Klô Pelgag n’avait jamais eus avant. « Je ne me serais jamais douté de tous les évènements qui font que je me suis rendue à cet album », dit simplement Klô.

Dans la vidéo qui présente la genèse de Notre-Dame-des-Sept-Douleurs, on parle du village « avant » et du village « après » : la première représentation étant beaucoup plus troublante que la réalité douce qui s’érige ensuite. Et l’album se place-t-il avant ou après? « Pour moi c’est un grand pont entre les deux, c’est l’album du processus, du passage, soutient Klô Pelgag. C’est sombre et c’est transparent, ça fait mal, mais c’est super affranchi. Je me suis débarrassée de beaucoup de béquilles, de malaises et d’angoisses. »

Elle savait a priori que la vie d’artiste serait difficile « mais ça n’a pas été difficile pour les raisons qu’on m’avait données », dit-elle. « J’ai longtemps eu besoin qu’on me donne la confiance, mais en ce moment je chemine vers la confiance que je n’ai pas besoin qu’on me donne. Je ne suis pas prête à me laisser flotter sur un matelas très confortable. Il y a de très bons côtés à constamment douter. »



Facile de se perdre dans la constellation Alaclair. En plus de ses 10 parutions officielles, le collectif compte sur une soixantaine d’opus en solo ou en sous-groupe, déployés sur deux décennies. Alors qu’on célèbre le 10e anniversaire de son premier album 4,99, un indispensable de l’histoire du rap québécois, on a tenté de décrypter l’entreprise familiale Alaclair Ensemble et chacun de ses projets, en compagnie de KNLO et Eman.

Alaclair EnsembleAvec leurs collègues, les deux rappeurs ont tenté l’exercice fastidieux de répertorier toutes leurs parutions récemment. « Après coup, on s’est rendu compte qu’on avait oublié plein de trucs », admet Eman, à propos de l’affiche ci-dessous. « Ça montre à quel point Alaclair, c’est un gros projet. Y’a tellement de divisions que, même nous, ça nous échappe. »

À la base, Alaclair Ensemble n’était d’ailleurs qu’un projet parmi tant d’autres dans le parcours déjà bien entamé d’Eman, KNLO, Maybe Watson et Mash, rappeur et producteur qui a joué un rôle essentiel dans la création et la direction musicale du groupe, avant de déménager dans les contrées lointaines du Haut-Canada il y a quelques années. « Mash disait qu’on était les trois meilleurs emcees qu’il connaissait. C’est lui qui nous a regroupés, en disant qu’on était les ‘’Alaclair Allstars’’ », se souvient Eman.

Après la sortie de 4,99, Vlooper a remplacé Mash comme DJ et principal producteur du groupe, tandis que Robert Nelson a pris davantage sa place sur scène, même si sa présence était plutôt limitée sur l’album. Même chose pour Claude Bégin, qui accueillait la formation dans son mythique appart/studio du 1036 Cartier, à Québec.

Entre les (nombreuses) parutions du collectif, chaque artiste a poursuivi ses projets de son côté, sans jamais qu’on en vienne à se demander si la formation était sur le point d’imploser. Au contraire, chaque aventure solo est venue nourrir l’ensemble. « On n’a jamais eu l’approche d’un groupe fermé. Tout le monde est fort et indépendant. À la base, on vient tous de milieux différents, donc tout le monde amène ce qu’il veut, même sur les tracks d’Alaclair. I guess que c’est une forme de liberté. Chacun est animé par sa grâce et sa passion », explique KNLO.

Et l’inspiration, là-dedans ? « J’ai déjà eu peur d’en manquer au début, mais c’est jamais vraiment arrivé finalement… J’ai grandi dans une famille à l’église, où ça criait tous les jours. Peu importe les phases de ma vie et les projets que j’ai, le vibe est resté le même. Le défi, c’est plus la technique, la finition », reconnait KNLO.

C’est précisément là que les forces du groupe se complètent : certains sont guidés par une approche intuitive de la musique, tandis que d’autres sont plus cartésiens. « Quand je vois que mes trucs stagnent, je peux les envoyer à Claude par exemple », poursuit le rappeur. « On a tous nos forces et nos goûts. Certains sont plus roots soul funk comme moi, alors que d’autres sont plus electro house techno trap. »

En 10 ans de carrière, le groupe a effectivement effleuré tous les genres de rap possibles, en plus de flirter avec le funk, le folk, la musique électronique et la ballade pop. « On a jamais eu peur de se lancer dans toutes les directions », résume Eman, qui lance ces jours-ci un album solo (1036) qui a pris tout le monde par surprise.

4,99 (2010)

KNLO : « Ça a été le début d’une aventure qui fait maintenant vivre plusieurs enfants. C’est assez edgy au niveau musical, mais au niveau social, je suis fier de ce que ça représente pour nous. C’est une belle bulle au cerveau. »

Eman : « C’est une introduction à beaucoup de choses, une ouverture à de toutes nouvelles formes musicales grâce à mes amis qui sont, à ce jour, les plus grands musiciens que j’ai côtoyés. Je considère cet album-là comme formateur. C’est ma graduation du collège. »

Musique bas-canadienne d’aujourd’hui (2011)

KNLO : « On voulait faire un album triple pour montrer tous nos vibes différents, un peu comme OutKast l’avait fait. Ça montre qu’on don’t give par rapport aux étiquettes et qu’Alaclair, ça peut être n’importe quoi. C’est une boîte à surprises. »

Eman : « J’ai un gros lien d’appartenance avec cet album, ce patchwork-là. C’était l’époque où Ogden et moi, on chillait beaucoup ensemble. On brainstormait chez lui de jour et, quand Claude avait fini d’enregistrer avec Karim, on rentrait à son studio pour enregistrer. »

AMERICA (2012)

KNLO : « C’est du fuckaillage de Vlooper en studio. C’est un vrai malin, lui. À ce moment-là, il était inspiré par Madlib, et l’idée, c’était de faire un album très vite, en une journée. »

Eman : « C’est en partie un album de remix du Roé c’est moé (l’un des trois volumes de Musique bas-canadienne d’aujourd’hui). Faut voir ça comme Vlooper qui s’amuse avec son jeu vidéo. »

Dans l’south du Bas (2012)

KNLO : « C’est un petit éveil au trap rural, notamment grâce à Vire de bow. La pochette, c’est un de mes covers préférés. »

Eman : « On essayait des BPM un peu plus lents. Pour être franc, je m’en rappelle pas trop. Ça concorde avec l’époque où Vlooper chillait pas mal au 1036 (appartement/studio de Claude Bégin sur la rue Cartier à Québec). C’t’un peu random. »

Les maigres Blancs d’Amérique du Noir (2013)

KNLO : « C’est la première fois qu’on s’est dit qu’on allait vraiment essayer de tout péter avec un album. Avant ça, c’était plus du chilling naturel de tous les jours. Still, je sais pas à quel point on a réussi notre mission. »

Eman : « On a voulu faire de quoi qui se tient, mais c’est encore pas mal une pizza avec plein de saveurs différentes. Ça a été notre première expérience tous ensemble dans un chalet de création. »

Toute est impossible (2014)

KNLO : « Pour Les Maigres Blancs, on avait une énergie assez on fire, tandis que là, c’était un peu plus ice cold. On était un peu plus chacun dans nos têtes, dans nos tourments d’adult life. L’énergie était un peu moins survoltée. »

Eman : « J’étais pas le plus enjoué du monde quand on a rec ça. Je venais d’avoir un enfant, donc j’étais moins disponible psychologiquement pour le band. Je suis sorti du chalet et, sincèrement, j’étais pas trop sûr du résultat. »

Les frères cueilleurs (2016)

KNLO : « La machine était bien huilée. On était hungry. Tout ce qu’on avait à faire, c’était de répéter la même recette qu’avant, mais avec toute notre expérience. »

Eman : « Là, on avait vraiment le goût de tout péter. Je venais de sortir XXL avec 7ième Ciel, donc j’ai convaincu les gars de sortir l’album avec un label, ce qu’on n’avait jamais fait encore. Dès le départ, on savait qu’on voulait quelque chose de plus cohérent, de moins ‘’patchwork’’. On a eu du gros, gros fun dans notre maison avec un lac privé, très loin dans le bois. »

Le sens des paroles (2018)

KNLO : « On cherchait une balance similaire aux Frères cueilleurs au niveau des tracks, quelque chose entre ‘’sérieux’’ et ‘’pas sérieux’’. Le titre en dit beaucoup sur nous. On a de plus en plus de mots dans le compteur, et l’action d’écrire est de plus en plus naturelle. On se pose pas trop de questions sur le sens de ce qu’on dit. Pareil comme un joueur de saxophone : chaque note est pas obligée d’avoir une signification précise. »

Eman : « On a poursuivi sur le même rythme de création que Les Frères, sauf que cette fois-ci, on l’a fait en deux temps. Y’a d’ailleurs eu un chalet un peu plus trash, durant lequel on s’est payé du luxe. On a vraiment eu du gros fun. »

AMERICA Vol. 2 (2019)

KNLO : « C’est un road record, enregistré entre Paris et le bas du fleuve. Ça fait deux ans qu’on fait 70 shows et plus par année, donc on n’avait moins le temps et l’envie de se louer un chalet. C’est fait dans un esprit plus brut. Juste du gros spitting. »

Eman : « On a rec n’importe où le plus souvent possible. On aurait pu prendre une de nos deux semaines de libre de l’année pour aller dans un chalet, mais on avait-tu vraiment envie de se ramasser entre guignols au lieu de voir notre famille ? » [rires]

Capitaine Canada (2020)

KNLO : « Capitaine Canada, c’est le détracteur du band. Idéalement, faudrait que ça devienne notre partner, mais il est dangereux… Et il a aucunement l’intention d’arrêter. »

Eman : « Ça a été fait en pleine pandémie, alors qu’on était tous pas ensemble. J’ai aucunement suivi le brainstorm, mais ce que j’en comprends, c’est que Capitaine Canada, c’est notre ennemi. Honnêtement, j’étais même pas au courant de l’existence du personnage avant que le projet sorte. Les gars m’ont demandé de poser sur un verse, et j’ai découvert que ma voix avait été trafiquée. »

Projets connexes (en solo ou en sous-groupe) des six membres

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KNLO
ou KenLo Le Narrateur / KenLo
D’abord connu dans l’underground sous le pseudonyme de KenLo (ou KenLo Le Narrateur) grâce à trois mixtapes embryonnaires, mais très prometteuses, KNLO a rapidement perfectionné son flow et aiguisé sa plume pour devenir l’un des joueurs les plus complets du hip-hop québécois, développant à la fois des rimes puissantes et des flows originaux, de plus en plus poussés et impressionnants. Ses deux albums solos officiels, Long jeu et Sainte-Foy, incarnent l’aboutissement d’un parcours foisonnant de deux décennies de rap sans aucun faux pas.

Realicism 1.0 (2004)
Restrospectre 2.0 (2005)
Flattebouche (2007)
Long jeu (2016)
Sainte-Foy (2019)

Maybe Watson
Originaire de Saint-Laurent, un quartier de l’Ouest de Montréal où l’anglais est omniprésent, Maybe Watson est l’un des rappeurs québécois qui maîtrisent le mieux les subtilités du franglais. Présent depuis près de 20 ans sur la scène rap de la métropole, l’artiste a notamment bâti sa renommée avec la mixtape Maybe Watson et les copains, qui regroupe une bonne partie du talent qui fourmillait dans l’underground des années 2000. Avec deux albums solos en poche (Maybe Watson et Enter the Dance, parus à 8 ans d’intervalle), Watson a également bâti son personnage coloré et fantasque avec plusieurs EPs et mixtapes à saveur humoristique.

Maybe Watson et les copains (2005)
Maybe Watson (2011)
Le maxi 100timental (2011)
Maybe in Love (2011)
Maybe Watson Remix (2012)
Dreak (2013)
Noël Chanté (2013)
Enter the Dance (2019)

Vlooper
ou NRV Loopa
Depuis ses débuts avec le beatmaker Bueller sur LNG Mixtape, trésor caché encore disponible sur Soundclick (chansons 13 à 29), Vlooper est l’un des producteurs les plus créatifs et originaux de Limoilou, terre sacrée du rap à Québec. C’est à la fin de la décennie 2000 qu’il a su faire sa marque, notamment en solo (sur le triptyque Neon Blaster) et aux côtés du duo californien Homeless Royalty (sur les albums Big Gun Music et Return of the King). DJ lors des premiers spectacles d’Alaclair Ensemble, il s’est tranquillement imposé comme le principal producteur du groupe.

Neon Blaster Mercure (2008)
Neon Blaster Venus (2009)
Neon Blaster Water Planet (2010)
COPYCAT (a Dilla Tribute) (2011)
Snowloops (2012)

Claude Bégin
Inséparable allié d’Eman, avec qui il accumule les projets depuis plus de deux décennies (Northern Corp., Accrophone, Movèzerbe), Claude Bégin a fait sa marque comme rappeur, chanteur, compositeur, réalisateur et arrangeur de renom dans la capitale. Touche-à-tout, il a échafaudé le son de Karim Ouellet, une signature folk pop organique et accrocheuse qu’il s’est ensuite réappropriée sur ses deux albums solos.

Les magiciens (2015)
Bleu nuit (2018)

Robert Nelson
aka Ogden
Grand manitou du glossaire et de la stratégie numérique d’Alaclair Ensemble, qui ont permis à la formation de se démarquer sur la scène rap québécoise à partir de 2010, Robert Nelson est surtout reconnu pour son charisme, son énergie sur scène, ses flows survoltés et sa réappropriation des référents de la nation bas-canadienne, dont l’histoire tapisse son œuvre entière. Le plus jeune membre du groupe a frappé un grand coup l’an dernier avec Nul n’est roé en son royaume, un premier album sur lequel il s’affranchit en partie de son fougueux personnage.

Nul n’est roé en son royaume (2019)

Eman
Eman trace sa route depuis 20 ans sur la scène hip-hop de Québec. Aux côtés de Claude Bégin, qu’il a connu durant son enfance, le rappeur a fait sa marque au sein du groupe Northern Corp., juste avant de connaître un certain succès avec Accrophone. Au tournant de la décennie 2010, il a renouvelé son flow et diversifié ses influences en se joignant à Movèzerbe et à Alaclair Ensemble, qui ont chacun leur tour donné un second souffle à sa carrière. Fort du succès critique de ses deux albums avec Vlooper, l’auteur-compositeur-interprète a enfin fait le saut en solo en 2019 avec un premier EP qu’il a entièrement produit.

Maison (2019)
1036 (2020)

Rednext Level
Formé de Robert Nelson, Maybe Watson et Tork, Rednext Level est un habile et irrésistible mélange de trap, de cloud rap, de hip-house et de pop. Sur scène, Tork est remplacé par DJ Tiestostérone, qui est également à la barre de l’album de remix Rapides et dangereux.

Argent légal (2016)
Rapides et dangereux (2017)

Eman X Vlooper
ou Eman X Vloopa
Dans un genre un peu plus sombre que celui d’Alaclair Ensemble, Eman et Vlooper ont uni leurs forces sur un EP et deux albums de grande qualité, parus sous Disques 7ième Ciel.

E.M.M.A.N.U.E.L. (2012)
XXL (2014)
LA JOIE (2017)

Robert Nelson X Kaytradamus
Juste avant qu’il fasse le tour de la planète sous le nom de Kaytranada, le producteur longueillois Kaytradamus a travaillé de concert avec Robert Nelson sur Les filles du roé, un EP mémorable aux beats frappants.

Les filles du roé (2012)

Monk.E & KenLo
En tant que producteur, KenLo a remodelé certaines des meilleures chansons de l’album Entre Mektoub et autodestruction de Monk.E sur l’EP Mektoub revisité, paru quatre ans plus tard. Les deux collègues du K6A ont concrétisé leur chimie sur l’album Destin et beyond… peu de temps après.

Mektoub revisité (2012)
Destin et beyond… (2012)

Caro Dupont & KenLo Craqnuques
ou KenLo & Cao / O2 / Canaw Cocotte & Cocotte Pondu
Au croisement du jazz, du funk, du soul et du hip-hop, la rencontre artistique entre KenLo et sa copine Caro Dupont, rappeuse, chanteuse et multi-instrumentiste, se déploie en quatre opus à la direction musicale vivifiante et chaleureuse.

La vie est un miracle (2011)
Booogillon Maison (Un) (2012)
Sur les terres d’Armand Viau (2013)
Multifruits (2018)

Vlooper & Modlee
Entre neo-soul et R&B futuriste, la réunion entre Vlooper et l’excellente chanteuse Modlee (sa copine) mise sur des lignes de basses pénétrantes et des rythmes prenants.

Digital Flowers (2009)
AnaloG LovE (2010)
Sunwalk (2012)
Queendom (2017)

Movèzerbe
Quelques mois avant l’arrivée d’Alaclair, Claude Bégin, Eman et KNLO se joignaient à Boogat, Les 2 Tom, Karim Ouellet et King Abid au sein de Movèzerbe.Le premier et seul album de l’octuor, Dendrophile, a ouvert le rap québécois à de nouveaux horizons avec son esthétique organique, teintée de neo-funk, de soul, de reggae, de folk et de musique latine.

Dendrophile (2009)

KenLo Craqnuques
ou KenLo Croqnote
Inspiré par la productivité et la démarche exploratoire de J Dilla, KenLo Craqnuques a donné une toute nouvelle impulsion à la production hip-hop québécoise grâce à sa série de beat tapes colorées, entamées en 2007. Avec les années, sa signature électronique déconstruite a laissé place à des ambiances soul, funk et house plus accessibles.

Noir (2007)
Bleu (2008)
Mauve (2008)
Orange (2009)
Rose (2009)
Cailloux germés (2010)
Brun (2010)
Soucoupe Volante pour MUTEK (2011)
Turquoise (2011)
Forêt_Boréale_Mixte (2012)
Tomates (2012)
Chaude chaleur (2013)
Huscletao (2014)
Rue Sicard (2014)
Wheels (2016)

K6A
K6A regroupe graffeurs, beatmakers et rappeurs, dont deux qui ont fait le saut avec Alaclair Ensemble (Maybe Watson et KNLO). Comprenant également OstiOne, SevDee, FiligraNn, Monk.E, Jam, Smilé Smahh et P.Dox, le collectif multidisciplinaire est l’un des groupes pionniers du renouveau rap québécois de la décennie 2010.

Tour de France (by Monk.E, Maybe Watson and SevDee) (2007)
Vente de garage (2008)
Ménage du printemps (2008)
Polalbum (2011)
Soucoupe_volante_001 (by SevDee, KenLo, Jam and Smilé) (2011)
Kosséça!?! (2013)

KenLo & Vlooper
KenLo et Vlooper, deux des plus talentueux beatmakers de Québec, ont beaucoup appris ensemble, en travaillant sur des beat tapes à l’esthétique lo-fi déconstruite, assez avant-gardiste pour l’époque. Leur premier effort, Veggie Loops, a été fait aux côtés de Bueller, producteur qui formait alors le duo LnG avec Vlooper.

Veggie Loops (2006)
Bullesbubbles (2009)
Bulles.Bubbles.II (2009)

Accrophone
Au milieu des années 2000, Accrophone a donné un nouvel élan au rap de Québec avec ses textures chaleureuses, ses influences folk pop et ses textes avisés.

Duo du balcon (2005)
J’thème (2007)
Beat Session vol. 1 (2010)

Northern Corp.
Collectif piloté par Tom Lapointe, producteur, arrangeur, réalisateur et membre du duo Les 2 Tom, Northern Corp. a mis Accrophone sur la mappe grâce à la compilation P.I.B., lancée en 2003 sous HLM Records alors que Claude et Eman n’avaient même pas encore 18 ans.

P.I.B. (2003)