Lorsque Ian Janes, l’auteur-compositeur-interprète de Dartmouth, en Nouvelle-Écosse, cherchait un titre pour son plus récent album, il n’a pas cherché bien longtemps. Yes Man, le titre de l’entraînante et accrocheuse chanson qu’il a coécrite avec Joel Plaskett, s’est rapidement imposé. « Let me be your yes man/if anyone can do it I can », chante Janes dans le refrain (librement, laisse-moi être ton béni-oui-oui/s’il y a bien quelqu’un qui peut l’être, c’est moi, NdT). « Let me be your yes man/I’m never gonna say no » (laisse-moi être ton béni-oui-oui/je ne te dirai jamais non).
Pour lui, ce sentiment évoquait sa propre attitude au moment où il s’est embarqué dans la création de cet album plein de soul, son quatrième en près de 20 ans. « “Yes Man” est une des chansons sur l’album, mais c’est aussi ce que j’aspire à devenir », explique l’artiste. « Pas de manière aplaventriste, mais dans le sens d’avoir une énergie positive et un esprit ouvert. »
Janes a lancé son premier album salué par la critique, Occasional Crush, en 1998 alors qu’il n’avait que 20 ans. Le disque lui a même valu de se retrouver sur la liste annuelle des 100 Canadiens à surveiller du magazine Maclean’s. Avec le recul, Janes regrette que celui qu’il était à l’époque avait trop peur de prendre des risques, ce qui l’a mené à rater des opportunités intéressantes.
« J’avais l’habitude de constamment tenter de contrôler les résultats, de planifier et diriger les choses de manière trop rigide », se souvient-il. « Plus jeune, je disais trop souvent “je sais pas trop” à diverses opportunités. Maintenant, je dis oui. »
« La création musicale est un muscle. Plus on l’utilise, plus on devient bon. »
Mais il n’y a pas que son attitude qui a changé. Bien que Janes — qui est natif de la vallée d’Annapolis, en Nouvelle-Écosse — joue de la musique depuis presque toujours, il n’a pas toujours eu l’ambition d’en faire son métier.
Peu de temps après la parution de son deuxième album, As It Seems, en 2002 — album qui a reçu deux nominations aux East Coast Music Awards et qui a été sacré Album de l’année pas Music Nova Scotia —, Janes a rencontré celle qui allait devenir son épouse et il s’est dès lors consacré à la fondation d’une famille.
« La musique est une part immense de qui je suis, mais elle n’est pas tout ce que je suis », confie celui qui est désormais papa de trois enfants. « C’était important pour moi de ne rien manquer de cet aspect de ma vie parce que je poursuivais aveuglément une carrière musicale qui serait couronnée d’un certain succès. J’ai toujours voulu trouver un équilibre entre les deux. »
Ce n’est qu’à la parution de son troisième album, une autoproduction intitulée Piece of Mine, en 2010, que Janes, qui gagnait entre-temps sa vie comme charpentier sur des projets de rénovation, a commencé à ressentir l’appel de la création musicale à plein temps.
« J’ai réalisé que je devais concentrer toute mon énergie professionnelle sur la musique », explique-t-il. « Votre plan B peut parfois exiger toute votre énergie au détriment de votre plan A. Ma femme et moi avons donc décidé de nous organiser afin que je puisse consacrer toute mon énergie à la musique. »
Pour Janes, qui cite les Joni Mitchell, Carole King et James Taylor comme quelques-unes de ses influences musicales, cela signifiait deux choses : chercher de manière proactive de nouvelles opportunités de se faire entendre et s’ouvrir aux collaborations.
C’est ainsi qu’après avoir participé à une vitrine de Music Nova Scotia, il a rencontré l’auteur-compositeur Andy Stochansky (Goo Goo Dolls, Ani DiFranco) et s’est retrouvé à Los Angeles, peu de temps après, pour une séance de création. Il a par la suite collaboré avec Lee Ann et Daryl Burgess (Irma Thomas, Colin James) à Nashville, ville qu’il a visitée à six reprises au cours des deux dernières années. Dans ces deux villes, Janes était ravi de pouvoir demeurer dans l’une des Maisons SOCAN. « Je n’aurais pas pu faire ces voyages, n’eût été ces résidences », dit-il avec reconnaissance.
Les deux tiers des chansons sur Yes Man sont des collaborations qui ont été enregistrées dans des chambres d’hôtel, des studios et des maisons résidentielles entre Nashville et St. John’s, Terre-Neuve. La plupart ont été réalisées dans son studio maison de Dartmouth, tandis que le surmixage final et le mixage ont été complétés au studio New Scotland Yard de Joel Plaskett.
Janes a par ailleurs connu un certain succès en tant qu’auteur pour d’autres artistes, dont récemment grâce à sa ballade country « Can’t Remember Never Loving You », coécrite en compagnie de Byron Hill, chanson qui était en vedette dans la série télé Nashville, interprétée par les personnages principaux lors de la dernière émission de mi-saison. Deux autres Canadiens lanceront cette année des chansons écrites par Ian Janes au cours des prochains mois.
« C’est un muscle », dit-il au sujet de la création musicale. « Plus on l’utilise, plus on devient bon. »
En fin de compte, l’artiste est très excité de voir que son engagement à faire de la musique à plein temps commence à porter ses fruits. « J’ai encore du chemin à faire pour arriver au sommet de cette côte, mais au moins, je suis rendu plus haut que quand j’ai commencé », lance-t-il en riant. « J’imagine que tout est une question de demeurer positif et de persévérer tout en essayant de tirer un maximum de plaisir du processus. »
Photo par Pat Murray
Kid Koala : Tracer La Voie
Article par Nicolas Tittley | mardi 21 mars 2017
Photo: Corinne Merrell
« Utilitaire » n’est pas exactement le genre de qualificatif qu’un artiste aimerait voir accoler à sa musique. Mais selon le DJ et compositeur montréalais Eric San, alias Kid Koala, c’est exactement le mot qui convient à son plus récent disque, Music to Draw to: Satellite. La fonction de ce projet est clairement expliquée dans le titre : il s’agit d’une musique destinée à accompagner le dessin (ou toute autre activité calme et solitaire). Avec ses tempos lents et ses couches de synthétiseurs, elle semble à des années-lumière des collages syncopés et éclectiques auxquels nous a habitués cet as des tables tournantes. Et pourtant, Kid Koala y voit l’un de ses projets les plus personnels et une extension naturelle de son travail. « La table tournante est là, mais pas comme un instrument qui joue des solos, plutôt comme un outil de production qui peut ajouter de la texture aux compositions, explique Eric. Et pour la version live du concert, j’ai créé un orchestre de platines qui sont manipulées par le public et le résultat est étonnant ! »
L’idée de ce projet unique est née de séances de DJing dans lesquelles Kid conviait un petit public dans des lieux parfois inusités (un restaurant vietnamien, par exemple) à écouter des disques calmes en griffonnant dans leurs carnets à dessin (« de la musique pour introvertis » de lancer Eric en ricanant). Le succès a été tel que le DJ a décidé de créer sa propre « musique à dessiner ». « Je trouve génial qu’on associe certaines fonctions à des musiques particulières. Les Ramones, c’est bien pour faire du ménage en vitesse, la musique EDM, c’est bien pour s’entraîner, et ainsi de suite ! »
Eric, qui travaille lui aussi à ses projets de bande dessinée ou de films d’animation, a ses propres disques fétiches lorsqu’il se retrouve devant la planche à dessins et ses deux préférés sont étonnants. « It’s a Wonderful World de Spaklehorse, un album un peu tordu dans lequel je n’arrête pas de trouver de nouveaux détails après des centaines d’écoutes, et puis Lucky Cat de Sian, un album électronique assez ambiant qui m’a été offert par Colin Greenwood de Radiohead et qui m’aide à perdre la notion du temps. »
C’est de ce dernier que se rapproche le plus Satellite. Outre la nature planante, le côté glacial et les tempos très lents de ce disque, son aspect le plus marquant est la présence d’une voix féminine, celle de la chanteuse islandaise Emiliana Torrini, dont Eric admire le travail depuis toujours. Après une première collaboration à distance en 2014, pour une chanson destinée à la bande originale du Men Women and Children de Jason Reitman, Eric a proposé à Emiliana de venir passer quelques jours à Montréal, histoire de travailler à ses « petites musiques d’hiver ». Étant du genre à prendre son temps pour écrire, Emiliana s’est laissée entraîner dans le « labyrinthe cérébral » du DJ, qui lui a concocté en vitesse des textes racontant l’histoire de deux amoureux qui s’éloignent de plus en plus l’un de l’autre dans l’espace intersidéral. « Eric est vraiment énervant : il réussit tout ce qu’il touche, dira plus tard la chanteuse à propos de son collaborateur. La création c’est son coeur, sa nature même, alors que moi, je dois me battre très fort pour atteindre cet endroit. »
En fait, ce projet est le premier volet d’une série de trois « disques d’hiver » que Kid Koala va réaliser pour le compte du label Arts and Crafts. Les seules contraintes qu’il s’est imposées sont simples : travailler exclusivement durant la froide saison et impliquer des chanteurs dans le processus. Était-il important qu’il fasse appel à une chanteuse nordique pour ce premier essai ? « Je pense que ça a facilité la compréhension de certaines choses, explique Eric. À un moment donné, Emiliana m’a demandé pourquoi le rythme de la chanson Adrift était si lent. Je lui ai dit qu’elle avait le tempo de quelqu’un qui pellette de la neige pendant trois heures et elle a tout de suite compris ! En fait, je me demande toujours comment quelqu’un qui est en Californie peur apprécier ce disque ! »
Peu importe que vous décidiez de faire du yoga ou de la peinture à numéro, ou simplement d’aller prendre une marche en sa compagnie, Satellite est le genre de disque qui trouvera une place dans votre vie si vous avez envie de vous retirer du brouhaha du monde. « Lorsque je fais mes sets de DJ de « Music to Draw to », je rencontre toutes sortes de gens, explique Eric. L’autre jour, j’ai vu un biologiste qui construisait des chaînes de protéines sur son ordi et une femme étudiait des modèles 3D du cerveau humain. Peut-être j’aurais pu appeler mon projet « musique pour faire des protéines » ou « musique pour faire de la neuroscience », mais c’est un peu moins accrocheur ! »
Photo par Courtesy of/courtoisie Spectra Musique, and/et Laurence Labat
Paul Piché : 40 ans en 10 chansons
Article par Olivier Boisvert-Magnen | jeudi 16 mars 2017
De porte-étendard du mouvement folk contestataire à chanteur pop/rock à succès, Paul Piché a marqué à jamais l’histoire de la musique au Québec. À l’occasion de son 40e anniversaire de carrière, l’auteur-compositeur-interprète minervois aborde l’histoire et la relation qu’il entretient avec 10 de ses plus grandes chansons, en compagnie de proches collaborateurs d’hier et d’aujourd’hui.
Heureux d’un printemps (Paul Piché – Éditions de La Minerve) – tirée de l’album À qui appartient l’beau temps?(1977) – Classique SOCAN
Paul Piché : « Je me souviens parfaitement du moment où j’ai eu l’inspiration de cette chanson. J’étais en auto sur le boulevard Saint-Joseph et, quand j’ai tourné sur Christophe-Colomb, les deux premières phrases me sont venues en tête. J’ai arrêté ma vieille minoune tout de suite pour noter ça. Ça représente bien ce que je ressentais par rapport au printemps à l’époque : le sentiment d’aimer cette saison, mais aussi l’impression d’avoir manqué l’hiver. Je crois que n’importe quel Québécois peut se reconnaitre dans cette chanson. C’est comme s’il fallait avoir absolument vécu l’hiver pour comprendre la spécificité du printemps québécois et, par conséquent, son effet de libération. »
Robert Léger, co-réalisateur de l’album : « C’est cette chanson qui m’avait séduit lorsque Paul avait fait la première partie de Beau Dommage à Sainte-Thérèse en 1974 ou 1975. Je savais que ça allait être un hit parce que ça avait le potentiel de rejoindre bien du monde, autant à droite qu’à gauche. »
Michel Rivard, musicien sur l’album : « C’est une chanson très rassembleuse, qui se démarque de toutes ses premières compositions. Avec elle, Paul prouvait qu’il était à la fois pertinent et rassembleur dans ses idées, à la fois un poète talentueux et un bon mélodiste. »
Mon Joe (Traditionnel / réarrangements : Paul Piché, Pierre Bertrand – Éditions de La Minerve) – tirée de l’album À qui appartient l’beau temps? (1977)
Paul Piché : « C’est une chanson folklorique québécoise que j’ai découverte par l’entremise d’une bande de jeunes qui habitait dans une commune. Quelqu’un de leur entourage venait de mourir, alors ils chantaient ça au ralenti avec un ton solennel, un peu bluesé. C’était assez inusité comme relecture, car à la base, la chanson est très rythmée. »
Robert Léger, coréalisateur de l’album : « Paul a eu l’idée d’adapter cette chanson seul à la guitare avec l’aide de Pierre Bertrand. On l’a ensuite aidé à lui donner une couleur plus rock, ce qui n’a pas été évident, car Paul avait toujours un pied sur le break. C’était quelqu’un de très puriste, qui se méfiait beaucoup de la musique américaine et de tout ce qui pouvait être commercial. Une partie de mon rôle a donc été de le pousser à essayer des affaires. Je crois que ça a pris huit caisses de bière avant qu’on réussisse à le convaincre qu’on n’allait pas nécessairement nuire à la cause ouvrière en ajoutant de la basse dans ses chansons ! »
Y’a pas grand-chose dans l’ciel à soir (Paul Piché – éditions de La Minerve) – tirée de l’album À qui appartient l’beau temps?(1977)
Paul Piché : « Ça, c’est ma plus vieille chanson connue. Je me suis inspiré d’un poème de Gérald Godin qui parlait des révolutavernes et des molsonnutionnaires. Ça me faisait penser à moi et à tous ces révolutionnaires de taverne qui pensent à changer le monde en prenant une bière. J’me disais qu’en m’autocritiquant de la sorte, ça me permettrait de critiquer la société. Je me rappelle avoir chanté la chanson pour la première fois au café étudiant de mon cégep. L’accueil a été très fort en partant. »
Koriass, collaborateur au spectacle 40 printemps: « J’ai découvert cette chanson à l’adolescence grâce à une reprise du groupe Kermess. J’étais un grand fan de rock québécois à l’époque, et la pièce est devenue un hymne incontournable qu’on chantait à la Saint-Jean. C’est un réel classique de la musique d’ici. »
L’escalier (Paul Piché – Éditions de La Minerve) – tirée de l’album L’escalier (1980)
Paul Piché : « Je la trouve très importante, celle-là. En fait, j’ai voulu appeler mon album L’escalier afin qu’on remarque cette chanson. L’inspiration m’est venue après avoir ressenti un vide en descendant un escalier sur le rue Amherst au coin de René-Lévesque. Sans pouvoir le définir, ce vide intérieur représentait ma solitude et cette difficulté que j’avais à m’aimer. Par la suite, c’est devenu une chanson qui parle plus largement et qui dit, au fond, qu’on peut réussir à changer le monde si on se met tous ensemble. Pour en arriver là, ça a été très long… L’écriture s’est étirée sur au moins un an. »
Robert Léger, coréalisateur de l’album : « Paul a toujours été très méticuleux dans l’écriture de ses textes. Parfois, il pouvait avoir écrit 100 versions d’une chanson avant d’avoir en main la version finale. Du lot, L’escalier semblait lui causer particulièrement problème. Il avait plein de bouts qu’il aimait, mais il ne savait plus où ça s’en allait. Autour d’une bière un soir, il m’a dit qu’il avait réglé son problème. La chanson allait commencer en haut de l’escalier et finir tout en bas. »
Michel Hinton, pianiste sur la chanson et coréalisateur de l’album : « C’était vraiment une saga, L’escalier. Le texte était tellement long au début que la chanson aurait pu durer 20 minutes ! En studio, on ne savait pas trop quoi faire avec ça. On avait une manière de fonctionner très collégiale, alors on essayait les idées de tout le monde. On a notamment ajouté de la batterie et de la basse, sans vraiment que ça aboutisse à quelque chose. Pris dans une impasse, j’ai proposé à Paul de l’enregistrer piano-voix. C’est cette version qu’on a choisi de garder. »
Ses yeux (Paul Piché, Pierre Huet, Michel Hinton – Éditions de La Minerve) – tirée de l’album Nouvelles d’Europe (1984) – Classique SOCAN
Paul Piché : « Cette chanson marque l’époque où je me suis permis de sortir de mon personnage de chansonnier folk pour aller vers des sons plus modernes. Il y a beaucoup de monde qui était pas content de ce virage-là… Juste que je me rase, ça avait presque fait scandale ! »
Michel Hinton, claviériste sur la chanson : « On avait avec nous l’ingénieur Paul Northfield qui, avec son synthétiseur exceptionnel, a beaucoup influencé le son de cette chanson et de cet album-là. »
Pierre Huet, coauteur de la chanson : « Avant d’entrer au studio à Morin-Heights pour quelques semaines d’écriture et d’enregistrement, j’étais monté chez Paul à La Minerve. Il m’avait montré une magnifique suite d’accords à la guitare, à partir de laquelle on a commencé à travailler. À l’époque, Paul et moi, on faisait les mauvais garçons dans les bars malfamés, à boire et à courtiser des dames. On s’est donc tout simplement inspirés de nos épisodes nocturnes pour en arriver là. C’est le récit de notre vie de jeunes célibataires. »
Cochez oui, cochez non (Paul Piché, Pierre Huet, Michel Hinton – Éditions de La Minerve) – tirée de l’album Nouvelles d’Europe (1984)
Rick Haworth, guitariste sur la chanson : «Je me souviens qu’on a fait ça à Morin-Heights, dans la petite maison de Paul Northfield, à côté du studio. On a passé 2-3 jours là et, à un moment donné, j’ai fait un petit riff de guitare super cheesy et quétaine. À ma grande surprise, les deux Paul ont trouvé ça super bon, alors que moi je faisais juste jouer de quoi d’un peu niaiseux pour faire une joke ! Au début, quand j’ai vu qu’ils étaient sérieux, j’étais pas content, mais quand on est arrivés en show et que tout le monde reconnaissait ma ligne de guitare après une seconde, j’ai compris que ça marchait et que c’était efficace. »
Paul Piché : « Les gens ont senti que cette pièce était en lien avec le référendum, mais c’était vraiment pas le cas. Pierre et moi, on voulait mettre en lumière la froideur de la bureaucratie à travers un propos social, et non nationaliste. Reste que j’ai toujours laissé les gens interpréter le texte comme ils le voulaient. Quand ils venaient m’en parler backstage, je les obstinais pas. »
Pierre Huet, co-auteur de la chanson : « Paul était venu me voir sur la rue Casgrain, où j’habitais. Il m’avait fait monter dans son auto pour me faire entendre la cassette avec le riff de base qu’il venait d’enregistrer. On a fait 2-3 tours du bloc et on est montés chez nous pour écrire ça. C’est un des derniers souvenirs d’écriture que j’ai avec Paul, car après cet album-là, on a eu une petite chicane de couple. On est redevenus amis vite, mais on a jamais retravaillé ensemble. Comme j’ai dit au public lors d’un hommage à Paul aux Francofolies, c’est tant mieux qu’on se soit chicanés, car après Nouvelles d’Europe, il a fait Sur le chemin des incendies et il en a vendu quatre fois plus ! »
Car je t’aime (Paul Piché – Éditions de La Minerve) – tirée de l’album Sur le chemin des incendies (1988) – Classique SOCAN
Paul Piché : « C’est une chanson inspirée de l’expérience de l’amour, pas nécessairement en lien avec une quelconque expérience vécue. Ce qui est spécial, par contre, c’est que cette chanson, j’ai pu la revivre dans ma vie personnelle quelque temps après. On peut parler d’une chanson prémonitoire. »
Rick Haworth, guitariste sur la chanson : « C’est Glen Robinson qui a fait les prises de son là-dessus. Il a compressé la guitare et la batterie pour en arriver à un son chaud et très large, que j’aimais beaucoup. En réécoutant la chanson récemment, je me suis rendu compte qu’elle contenait beaucoup de choses qui font maintenant partie intégrante de la façon dont je joue de la guitare. À l’époque, j’étais assez jeune, et Paul m’a donné beaucoup de liberté. »
J’appelle (Paul Piché, Robert Léger, Michel Hinton – Éditions de La Minerve et Éditions Mouche à feu) – tirée de l’album Sur le chemin des incendies (1988) – Classique SOCAN
Paul Piché : « C’est une observation introspective durant laquelle je me suis laissé guider par les mots. À ce moment, j’étais blessé intérieurement, souvent triste. Je suis donc allé me réfugier à ma cabane à La Minerve. J’ai regardé au loin et j’y ai vu l’image d’un loup, lui aussi solitaire. J’ai donc eu l’idée de me mettre à sa place. Au fur et à mesure que j’écrivais, ce loup se mettait à symboliser la nature blessée. »
Robert Léger, co-auteur de la chanson : « Quand Paul est venu me voir, il avait à peu près huit lignes d’écrites. Le loup était déjà dans l’histoire, mais le défi, c’était de le faire parler, de savoir comment il se sent. Durant 10 ou 12 nuits, de 9h du soir à 3h du matin, on écrivait, en passant chaque phrase au crible. Durant une bonne soirée, on pouvait trouver trois phrases, ce qui était plutôt satisfaisant pour un auteur-compositeur comme Paul. »
Voilà c’que nous voulons (Paul Piché, Audrey Benoît, Rick Haworth – Éditions de La Minerve et Éditions Nigowarh) – tirée de l’album L’instant (1993)
Rick Haworth, co-compositeur de la chanson : « J’avais commencé une esquisse à la maison avec du banjo, que Paul avait trouvée vraiment cool. Ça sonnait un peu trop folk, alors on a travaillé longtemps dessus en studio pour trouver la bonne tonalité. En fin de compte, ça a donné l’une des tounes les plus rock qu’on n’a jamais faites. »
Paul Piché : « C’était une proposition plus épurée, plus crue. On laissait tomber les sons de synth, le crémage, le gros reverb… Le texte, je l’ai écrit avec ma blonde de l’époque, Audrey Benoît. On voulait exprimer que la volonté de faire l’indépendance du Québec n’était pas une fermeture aux autres, qu’il n’y avait rien de raciste ou de religieux là-dedans. Au contraire, on voulait dire que la souveraineté, c’était la meilleure façon d’amener nos différences à l’international et de faire de chacun de nous des citoyens du monde. »
Audrey Benoît, co-auteure de la chanson : « Voilà c’que nous voulons est un cri du cœur, pour dire le vrai, le cru, l’essentiel. Ma participation à cet appel, ou ma conviction profonde, c’était de confirmer l’aspect actuel de la question, le fait que “non, il n’est pas qu’un vieux rêve, il est aussi ce qu’il a semé”. “Il” représentait le projet de pays, et ce “projet de pays” ne venait pas de nulle part et méritait qu’on l’écoute, comme on écoute son grand-père ou Gilles Vigneault. Au départ, Paul et moi avons eu quelques débats à propos de cette chanson, que je pensais “trop simple” ou peut-être trop directe. J’ai été la première surprise par la réaction des foules en spectacle. »
Ne fais pas ça (Paul Piché – Éditions de La Minerve) – tirée de l’album Le voyage (1999)
Paul Piché : « La chanson a des influences plus ou moins définissables, entre latino, flamenco et calypso. Ce qui est clair, par contre, c’est que j’avais une attirance marquée pour les rythmes latins. Le texte, je l’ai écrit en faisant exprès d’être malhabile, comme si j’interprétais un latino qui essayait de s’exprimer en français. »
Marc Hervieux, collaborateur au spectacle 40 printemps : « Ne fais pas ça vient me toucher particulièrement dans sa façon d’aborder la rupture amoureuse sans tomber dans le cliché d’être en petite boule dans son coin, à écouter des chansons dépressives et dures. Ça vient toucher exactement la personne que je suis. »
La tournée 40 Printemps de Paul Piché s’arrêtera le 17 mars 2017 au Centre Bell de Montréal avec les artistes invités Éric Lapointe, Koriass, Marc Hervieux, 2Frères, Safia Nolin; et au Centre Vidéotron, à Québec, le 20 mai 2017, avec les artistes invités Safia Nolin et Vincent Vallières.
